PROFANATION - GHENOS EROS THANATOS - OPENING FRIDAY , MARCH 24, 2017 – 6:00 PM

 Ghenos, Eros e Thanathos (o come lo chiamerebbe Alberto Boatto: GET) è stato probabilmente uno dei progetti più radicali e significativi dell’arte, non solo italiana, dal secondo dopoguerra a oggi. A distanza di quarantatré anni non ha perduto nulla del suo smalto, ha anzi acquisito nuove sfumature e profondità. Il desiderio di Paolo Chiasera, mio e della galleria, di lavorare sull’idea di Boatto nasce proprio da questo: è impossibile ridurre GET a una qualsiasi importanza storica del tempo in cui è stata realizzata, non ha nulla di datato. Nel corso degli anni la mostra e il testo che la accompagnava hanno bensì aumentato il loro portato rivoluzionario, capace ancora oggi di presentarsi come una “pietra oscura”, un “edificio insondabile” e profondo, fastidioso e impossibile da osservare a lungo. Non a caso Boatto lo aveva costruito attorno ai tre semplici mattoni di cui è fatta la natura umana, il momento della nascita, l’eros e la morte, su cui poi viene appoggiato tutto il resto, e in cui la testata d’angolo del suo discorso veniva occupata dal Thanatos. I settanta erano anni di fede radicale in ideologie astruse, lontane dalla realtà e pericolose. Scegliere di fare una mostra così poco politica (intendendo “politica” nel senso più banale del termine) non deve essere stato facile, e immagino le critiche che può aver generato. Oggi viviamo anni di nichilismo peloso e verboso che si riversa anche nel mondo dell’arte, ma il risultato finale è sempre lo stesso: le mostre, le biennali, gli artisti trattano troppo spesso tematiche lontane dalla realtà, dalla tangibilità dei fatti che influenzano direttamente la nostra vita, i nostri corpi, la concretezza dell’esistenza e dei suoi avvenimenti basici. Siamo inondati di trattati su post fordismo, post colonialismo, il design degli anni sessanta, il modernismo degli anni trenta, indagini su spaccati sociali e antropologici; e abbiamo anche il coraggio di lamentarci se il pubblico dell’arte è così misero rispetto a quello degli altri linguaggi. E’ forse allora ancora più rivoluzionario oggi presentare queste tre istanze base, attorno a cui veramente si muovono le nostre vite e rispetto alle quali tutto il resto deve muoversi come funzionale e secondario. Alberto Boatto se ne è andato poco tempo fa, lasciandoci un’ultima testimonianza scritta che accompagna questo progetto di mostra come una guida, una stella. Assieme a questo testo e al libro pubblicato nel 1974, la mostra che lui fece è la base da cui siamo partiti a lavorare con Paolo, e da lui sarà reintegrata quasi fosse una visione magicamente rievocata e riportata in vita in una sua grande installazione che farà da spazio curatoriale e visiva per tutte le altre opere che verranno presentate. Si tratta di lavori di artisti delle ultime generazioni, che condividono lo spirito della mostra del 1974 e che si relazionano con le opere esposte allora, rigenerandole, pervertendole, e mostrando che esiste sempre una nuova vita per l’arte dopo la morte.

Curatorial medium:  Paolo Chiasera e  Antonio Grulli  -  Artisti :David Adamo - Vajiko Chachkhiani - Keren Cytter - Riccardo Previdi - Anca Muntenau Rimnic - Mathilde Rosier

Antonio Grulli

LA VIDEO ARTE IN EUROPA 1970 - 1980

L’arte elettronica ritorna in grande stile a Bologna, grazie alla collaudata collaborazione fra la Fondazione Cineteca e la Galleria de’ Foscherari, con La videoarte in Europa 1970-1980, rassegna che inizierà sabato 28 gennaio alle ore 24 presso il cinema Lumière con un programma dedicato a Marina Abramovic, unanimemente considerata una delle protagoniste maggiori di questo genere artistico, presentato da Vittorio Boarini. 

L’evento, non casualmente collocato nella notte bianca, sperimentato momento topico di Artefiera, dà inizio alla terza e ultima serie dell’avventurosa escursione che la Galleria de’ Foscherari e la Cineteca bolognese hanno voluto effettuare in quel settore delle arti visive affermatesi nel mondo, negli anni settanta e ottanta del secolo scorso, con l’esaurirsi delle avanguardie cinematografiche.

Dopo aver cercato di illustrare il fenomeno nel nostro paese, nella primavera del 2015, e negli Stati Uniti, primi mesi del 2016, è ora la volta dell’Europa, con l’impegno di rappresentare al meglio ciò che il vecchio continente, dalla Spagna all’Ucraina, dalla Francia all’Austria e alla Germania, dalla Svizzera alla Croazia, ha saputo realizzare in questo, ancora oggi vitalissimo, settore delle Arti.

La rassegna, come risulta dal programma che segue, alla realizzazione del quale ha ampiamente partecipato Lola Bonora, riprenderà alla Galleria de’ Foscherari a partire dal 6 aprile e si articolerà in cinque appuntamenti, che cadranno ogni giovedì alle ore 18 fino al 4 maggio.  Le proiezioni nella galleria sono a ingresso libero.

PRESENTAZIONE DEL VOLUME - ALBERTO BOATTO - GHENOS EROS THANATOS E ALTRI SCRITTI SULL’ARTE, 1968-1985

Venerdì 2 dicembre alle ore 18:00 l’autore Alberto Boatto, Stefano Chiodi curatore della pubblicazione e Concetto Pozzati, artista, presentano il volume Ghenos Eros Thanatos e altri scritti sull’arte, 1968 – 1985 edito da L’Orma, Roma.

Ghenos Eros Thanatos è il titolo dell’importante mostra curata da Boatto, una delle figure maggiori della critica d’arte italiana degli ultimi cinquanta anni, alla galleria de’ Foscherari di Bologna nel 1974, in cui le opere di tredici artisti (da Alighiero Boetti a Gino De Dominicis, da Giosetta Fioroni a Jannis Kounellis, Eliseo Mattiacci, Vettori Pisani, Gilberto Zorio e altri) compivano “un periplo attorno alle situazioni limite della vita”: la nascita, la sessualità, la morte.

Il testo che compariva nel “libro-mappa” che accompagnava la mostra è oggi ripubblicato nel volume curato da Stefano Chiodi nella collana “Fuori Formato” diretta da Andrea Cortellessa per l’editore L’Orma di Roma, insieme a una selezione di articoli, saggi e presentazioni critiche apparsi in riviste e cataloghi oggi di difficile reperibilità.

Nel loro insieme questi testi compongono un arco continuo – da un’originale ed “eretica” interpretazione del Sessantotto e delle sue conseguenze sulle pratiche artistiche alle riflessioni sul destino dell’artista nell’epoca dello spettacolo, alle considerazioni, ormai in pieno clima postmoderno, sulla relazione tra scrittura e immagine – da cui emerge ancora intatta la tensione interna della scrittura di Boatto, cartografo del presente, in cui ritrova le tracce di altri tempi e più lunghe durate, e “psiconauta” alle prese con la perigliosa navigazione nelle regioni della memoria e dell’inconscio.

Alberto Boatto (1929) è una delle personalità più originali della critica d’arte in Italia dell’ultimo mezzo secolo. Sin dai primi anni Sessanta, e fino a oggi, ha alternato importanti studi su momenti salienti dell’avanguardia di primo Novecento (dada, Marcel Duchamp), sui caratteri estetici e culturali del moderno, dalle sue origini ottocentesche in avanti, e saggi militanti sulle tendenze più recenti delle arti visive (new dada, pop art, arte povera, arte concettuale) sempre colte al loro primissimo apparire. Ha fondato e diretto le riviste «Cartabianca» e «Senza margine» (1968-69) e «La città di Riga» (1976-77). Tra i suoi libri: Pop art (1967, nuova edizione Laterza 2015), Cerimoniale di messa a morte interrotta (Cooperativa Scrittori 1977), Lo sguardo dal di fuori (1977, nuova edizione Castelvecchi 2013), Della ghigliottina considerata una macchina celibe (1988, nuova edizione Scheiwiller 2008), Della guerra e dell’aria (Costa & Nolan 1992), Narciso infranto. L’autoritratto moderno da Goya a Warhol (Laterza 2002, nuova edizione 2015) e Di tutti i colori. Da Matisse a Boetti, le scelte cromatiche dell’arte moderna (Laterza 2008).

AUTORITRATTO CON MASCHERE 1899 - PIERO MANAI - LUIGI PRESICCE

La Galleria de' Foscherari è lieta di annunciare la mostra Piero Manai - Luigi Presicce, Autoritratto con maschere 1899, che inaugurerà giovedì 31 marzo alle ore 18:30. La mostra mette in dialogo il lavoro di due artisti di generazioni differenti come Piero Manai (Bologna 1951-1988) e Luigi Presicce (Porto Cesareo 1976 - vive tra Porto Cesareo e Firenze). Lo spunto iniziale del progetto è il dipinto del 1899 di James Ensor Autoritratto con maschere, che entrambi gli artisti hanno utilizzato come riferimento per un loro lavoro. Manai in un momento cruciale della sua vita si relaziona con l’opera del maestro belga ridisegnando le oltre cinquanta maschere in altrettanti frammenti di carta intelata. Presicce invece attinge all’iconografia del dipinto per uno dei suoi tableaux vivant. L’opera di Ensor è inoltre indicativa del percorso dei due artisti in mostra, accomunati da una ricerca incentrata sull’utilizzo del corpo come momento di introspezione personale e come materiale di creazione artistica. Corpo che diventa elemento centrale di un teatro fatto di scomposizioni e rielaborazioni anatomiche, continue messe in scena, fonte di allegorie e simboli che talvolta alludono al nostro rapporto con la morte. Mentre l’opera di Piero Manai è rimasta quasi sempre all’interno della pratica del disegno e del dipinto, Luigi Presicce spazia abbracciando anche la scultura e la performance. Ma per entrambi è cruciale il rapporto con la fotografia (e il video nel caso di Presicce), nel primo come suggestione iniziale per la creazione del lavoro, mentre nel secondo soprattutto come opera finale in cui spesso ricadono e confluiscono le sue azioni performative e i suoi tableaux vivant. Oltre ai due lavori legati al dipinto di Ensor saranno in mostra una serie di altre opere, realizzate in differenti linguaggi, che metteranno a confronto, facendoli dialogare, i due artisti. 

PRESENTAZIONE DEL CATALOGO - LUCA VITONE BERLIN 192010 - VENERDI 29 GENNAIO ORE 11.00

La Galleria de' Foscherari è lieta di invitarla alla presentazione del catalogo della mostra Berlin 192010 George Grosz Luca Vitone, venerdì 29 gennaio 2016 alle ore 11.00 alla presenza dell'artista Luca Vitone e del critico Jörg Heiser. La pubblicazione oltre a documentare la mostra con riproduzioni delle opere dei due artisti allestite negli spazi della galleria, raccoglie immagini di tutte le opere del ciclo Der Zukunft Glanz di Vitone di cui Berlin 192010 ne è la tappa conclusiva. Il libro, disegnato da Daniele Caspar, è arricchito da un testo di Jörg Heiser tradotto in italiano e inglese rispettivamente da Enrico Ganni e Nicholas Grindell.

Der Zukunft Glanz, traduzione traslata di “il sol dell’avvenire”, proposito di un’aurora risoltasi in un tramonto. Sette sculture a parete e cinque collage raccontano di un percorso avvenuto in trent’anni, dalla prima visita a Berlino nel 1985 fino a oggi, divenuta città in cui vivo. Oggetti del quotidiano rinvenuti nei luoghi attraversati e abitati, convivono con finestre, filtri dell’osservare, e con i colori della bandiera, testimoni dell’unificazione politica del Paese. A queste opere si aggiungono un video e una giostra con tre biciclette. Uno strumento ludico, ma anche un mezzo di trasporto, che nel video, in soggettiva, attraversa la città da nord a sud nella ex zona orientale, cantando le insegne delle attività commerciali sulle note della più topica canzone del socialismo internazionale. Una trasformazione urbana e sociale che ha visto Berlino protagonista odierna, come lo era stata subito dopo la prima grande guerra con la nascita della repubblica di Weimar, meta indiscussa di chi volesse sperimentare, testimoniata qui da George Grosz, interprete senza mediazioni dell’essenza morale dell’essere umano.

Luca Vitone

LUCA VITONE - BERLIN 192010 - SABATO 31 OTTOBRE ORE 18.00

La mostra nasce dal progetto di Luca Vitone di mettere a confronto due immagini di Berlino: quella sotto la Repubblica di Weimar e quella del periodo della Repubblica Federale dell’unificazione dopo la caduta del muro.

Vitone “invita” George Grosz a presentare sue opere che raccontano la città del primo dopoguerra nel momento più effervescente e dinamico di una Berlino in espansione che la vede meta indiscussa, desiderata e raggiunta da autori del cinema, del teatro, della musica, della letteratura e delle arti visive, tanto da farne una capitale mondiale della creatività culturale. In quel lungo decennio, tra la fine degli anni Dieci e gli inizi dei Trenta, Berlino è anche una laboratorio politico che il mondo guarda con curiosità e apprensione, fino alle decisive elezioni del 30 gennaio 1933.

Insieme a un olio e a preziosi disegni e acquerelli di Grosz, Vitone presenta parte di una sua serie di opere dedicate alla città tedesca in cui racconta una personale interpretazione di come ha vissuto il cambiamento di Berlino da prima del muro, grazie a un soggiorno estivo avvenuto nel 1985, al ritorno nel 1996 per una borsa di studio e successivamente sempre più spesso fino a decidere di trasferirsi definitivamente.

Con il crollo del muro, Berlino torna a essere un’attrattiva per la ricerca culturale internazionale tanto da diventare per una seconda volta meta desiderata per molte personalità di discipline e ambiti diversi. L’immaginario collettivo non tocca solo l’aspetto della cultura, ma necessariamente anche quello politico e la città diventa laboratorio di un atteggiamento utopico che tenta di trasformare l’aspetto sociale dell’abitante in una figura consapevole della propria autonomia e libertà individuale. Aspetti di un socialismo libertario opposti a ciò che era avvenuto, mediante il dogma, con la realizzazione del socialismo di stato che ha governato una parte della città per circa quarant’anni.

Mappe, oggetti che provengono dalla quotidianità e finestre aperte sul mondo sono gli elementi che compongono queste opere, affiancate dai colori della bandiera tedesca e da una giostra di biciclette da cui, pedalando, si può vedere un video che racconta in soggettiva l’attraversamento della ex-Berlino orientale da nord a sud soffermandosi sui dettagli del cambiamento.

La mostra si apre esattamente un anno dopo, il 31 ottobre 2014, di quella svoltasi nella Galerie Nagel Draxler di Berlino, in cui per la prima volta sono state esposte le opere della serie “Der Zukunft Glanz” (Lo splendore del futuro) titolo che poeticamente si riconduce al motto italiano di tradizione socialista “il sol dell’avvenire” inesistente nella lingua tedesca.

IL CINEMA D'ARTISTA ITALIANO DALL'AVANGUARDIA ALLA VIDEOARTE

Inaugurata con la proiezione di Umano non umano , film di Mario Schifano del 1969, la rassegna Il cinema d'artista Italiano dall' Avanguardia alla Videoarte , promossa ed organizzata dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria de'Foscherari , prosegue, presso la Galleria de'Foscherari con una storica programmazione di video.

Per il nuovo ciclo delle rassegne la partecipazione degli enti collaboratori è stata ampliata ed estesa all'ASAC (Archivio Storico della Biennale di Venezia); a Il Cavallino (storica galleria d'arte di Venezia); al Centro VideoArte di Ferrara, fondato da Lola Bonora, che partecipa attivamente alla realizzazione del ciclo assieme al suo collaboratore Carlo Ansaloni; alla Casa Totiana di Roma, archivio dedicato alla memoria del poliedrico artista Gianni Toti.

La nuova rassegna continuerà tutti i mercoledì alla Galleria de'Foscherari a partire dal 13 maggio fino al 10 giugno, con il proposito di documentare la nascita e i primi sviluppi della Videoarte negli anni '70 e '80. La tesi su cui si articola la manifestazione, infatti, è che l'avanguardia cinematografica, esauritasi come tutte le Avanguardie con la deflagrazione della rivolta eversiva alla fine degli anni sessanta, cerca nuove forme espressive che, oltre e al di là del cinema d'artista, le consentano di mantenere fermo il rifiuto del mercato e la ricerca di nuovi linguaggi. Il video, ultimo ritrovato della tecnica, sembra il mezzo ideale a tale fine e diventa la forma privilegiata della sperimentazione artistica. Questo avviene sul piano internazionale coinvolgendo personalità quali J.- L. Godard, che si avventura negli “anni video”, e trova in Italia un terreno fertile e produttivo di notevoli risultati. Sono proprio quei risultati che si vuole documentare per tenerne viva la memoria storica e impedirne la dispersione, pericolo concreto in questa nostra età ferocemente revisionista. La rassegna, che presenterà opere di artisti famosi, quali Boetti, Calzolari, Cintoli , De Dominicis e Merz, di specialisti assai noti del video e della video scultura, quali Agnetti, Chiari, Giuman, Plessi, Sartorelli e Viola, sarà presentata dettagliatamente mercoledì 13 maggio, alle ore 18, presso la Galleria de'Foscherari in occasione dell'evento Maurizio Camerani 1979-89 : un video due sculture e quattro disegni. Saranno inaugurate infatti due video installazioni dell'artista ferrarese, Segnale (1979) e Vista dal basso (1989), che rappresentano un significativo apporto allo sviluppo dell'articolazione tridimensionale dell'arte video.

Si ricorda che i video presentati , così come le videoinstallazioni di Maurizio Camerani, saranno visibili liberamente in Galleria tutti i giorni durante l’orario d’apertura della Galleria stessa.

CALENDARIO DELLE PROIEZIONI PRESSO LA GALLERIA DE'FOSCHERARI

MERCOLEDI' 20 MAGGIO ORE 18.00

L'ARCHIVIO STORICO DELLA BIENNALE DI VENEZIA PRESENTA:

Vincenzo Agnetti  - Documentario 2 ,1973

Enrico Bafico - Corrispondenza, 1975

Alighiero Boetti - Ciò che sempre parla in silenzio è il corpo, 1974

Sandro Chia  - Di come il fuoco rigenera la candela,1975

Giuseppe Chiari - Spoleto Festival,1972

Gino De Dominicis - Tentativo di volo, 1970

Andrea Granchi - I militari,1975

Maurizio Nannucci  - The missing poem is the poem, 1974

Lucio Pozzi - Portrait of Maria Gloria, 1975

Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari , Gino De Dominicis, Mario Merz, Gilberto Zorio

Tratte dal video Identifications, 1970 - Questi video conservati dall'ASAC sono stati prodotti da Art Tape 22 -Firenze

MERCOLEDÌ 27 MAGGIO ORE 18.00

LA GALLERIA IL CAVALLINO PRESENTA :

Claudio Ambrosini - Zoom, 1977 - De photographia, 1976 - Video music, 1977

Luciano Celli - Television screen, 1977

Pier Paolo Fassetta e Luigi Viola - Frammenti di uno spazio interiore, 1980

Michele Sambin - Il Tempo Consuma, 1978 - Anche le mani invecchiano, 1980 - Autointervista, 1980

Guido Sartorelli - Tempo spazio superficie, 1974 - Analogie, 1978 - Mario Sillani - Narcissus, 1978

Due media, 1979

Luigi Viola - Identity as identification, 1976 - Who is Luigi Viola, 1976

MERCOLEDÌ 3 GIUGNO ORE 18.00

IL CENTRO VIDEOARTE DI FERRARA PRESENTA :

Fabrizio Plessi  - Acquabiografico, 1974

Ricci Lucchi – Gianikian - Viaggio di la rose, 1976

Christina Kubisch - Stille Nacht, 1975

Giuliano Giuman - Possibility of light, 1975 - Possibility of shadow, 1975

Giudo Sartorelli - Proporzione alla memoria, 1975

Fabrizio Plessi  - Water Fan,1982

Maurizio Bonora - Sisma,1984

Cristiana M. Ravenna - Round in Square,1985

Giorgio Cattani - Metropolitan traces, 1983

Maurizio Camerani  - La strada dell'abbandono disumano, 1986

Enzo Minarelli - Chorus, 1984

MERCOLEDÌ 10 GIUGNO ORE 18.00

LA CASA TOTIANA PRESENTA:

Gianni Toti - Incatenata alla pellicola, 1983

L'Avanguardia italiana degli anni sessanta

L'AVANGUARDIA ITALIANA DEGLI ANNI 60

Il 14 gennaio 2015 riprenderanno le proiezioni, promosse e organizzate dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria de'Foscherari, che tanto successo hanno riscosso nelle passate edizioni, con un film di Sandro Franchina Morire gratis, interpretato dal pittore Franco Angeli e da Karen Blaugneon, che verrà proiettato al Cinema Lumiere alle ore 17.45.

Con questa rarissima opera del 1968 si inaugura la rassegna L' Avanguardia degli anni sessanta in Italia, che proseguirà tutti i mercoledì alle 18.00 presso la Galleria de'Foscherari , per concludersi il 4 Marzo al Cinema Lumiere con il capolavoro di Carmelo Bene Nostra Signora dei Turchi .

I promotori hanno ritenuto, dopo aver mostrato le Avanguardie Storiche e le Nuove Avanguardie europee e americane, di tentare una ricognizione di quanto avveniva negli stessi anni in Italia.

E' proprio su questo punto che si intende avviare con gli spettatori una riflessione, proponendo opere nella maggior parte pressoché sconosciute,che documentandola sperimentazione cinematografica svoltasi nel nostro paese mentre negli Stati Uniti esplodeva l'Underground, in Francia si affermava la Nouvelle Vague e in Inghilterra prendeva corpo il Free Cinema .

Intanto va ricordata la Cooperativa Cinema Indipendente costituita a Napoli nel 1967 da una quarantina di Filmakers sul modello di quella fondata da J. Mekas a New York nel 1962.

Ma la CCI ebbe unesito deludente e, in genere, restò nell'ombra dell' Underground americano, dal momento che non riuscì , come quest'ultimo a convertirsi in Movement e a dar vita a un vero circuito alternativo. Non a caso le esperienze ritenute più interessanti di questa corrente sono opere di artisti figurativi e hanno circolato sopratutto nelle galleria d'arte.

Nella rassegna sono presenti i pittori Baruchello, Nespolo e Schifano , ma bisogna citare almeno anche Adami e Patella.

Fra i filmakers più rilevanti della CCI abbiamo inserito con due opere di Paolo Brunatto, ma vanno citati anche Bacigalupo, Bargellini e Leonardi.

Gli organizzatori di questa nuova edizione della rassegna hanno ritenuto di allargare la rosa degli autori includendo opere di Mario Carbone a Nico D'Alessandria, che sono parse degne d'essere riscoperte e ciò è stato possibile grazie alla Mostra di Venezia e alla collaborazione della Cineteca Nazionale, che cogliamo l'occasione di ringraziare vivamente.

Si deve infine sottolineare che la più autentica esperienza avanguardistica del cinema italiano la compie, fra il 1967 e il 1970, Carmelo Bene, del quale la nostra rassegna presenta, oltre il già citato Nostra Signora dei Turchi , il suo primo film, Hermitage 805, la “prova di lenti”, come dice lo stesso Bene , prima di affrontare la sua prova più impegnativa . Diamo di seguito il calendario completo della rassegna.

L’AVANGUARDIA ITALIANA DEGLI ANNI SESSANTA

CALENDARIO DELLE PROIEZIONI 14 GENNAIO - 4 MARZO 2015

MERCOLEDÌ 14 GENNAIO - CINEMA LUMIÈRE ORE 17.45

Morire gratis (1968) di Sandro Franchina, con Franco Angeli,

Karen Blauguenon e Mario Pisu (90’)

MERCOLEDÌ 21 GENNAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

Inquietudine (1960) di Mario Carbone, con Franco Angeli (12’)

Il canto d’amore di Alfredo Prufrock (1967) di Nico D’Alessandria,

voce off di Carmelo Bene (19’)

MERCOLEDÌ 28 GENNAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

6 cortometraggi di Mario Schifano girati fra il 1964 e il 1967 (68’)

MERCOLEDÌ 4 FEBBRAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

Vieni dolce morte (dell’ego) (1967) di Paolo Brunatto (55’)

MERCOLEDÌ 11 FEBBRAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

Selezione dei film di Ugo Nespolo alla presenza dell’autore

MERCOLEDÌ 18 FEBBRAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

La verifica incerta (1964) di Gianfranco Baruchello e Alberto Grifi,

con le maggiori star hollywoodiane e la regina Elisabetta (48’)

MERCOLEDÌ 25 FEBBRAIO - GALLERIA DE’FOSCHERARI ORE 18.00

Bis (1967) di Paolo Brunatto, con Carmelo Bene (20’)

Hermitage 805 (1967) di Carmelo Bene, con Carmelo Bene (24’)

MERCOLEDÌ 4 MARZO - CINEMA LUMIÈRE ORE 17.30

Nostra Signora dei Turchi (1968) di Carmelo Bene,

con Carmelo Bene e Lydia Mancinelli (125’)

LE NEOAVANGUARDIE CINEMATOGRAFICHE IN EUROPA

Nel mese di maggio la Cineteca e la Galleria de'Foscherari danno vita ad un amplissimo programma riguardante le cinematografia d'Avanguardia europea degli anni cinquanta e sessanta. Dopo aver esplorato l'avanguardia americana nei mesi di marzo e aprile, si passa ora a rappresentare la Nouvelle Vague e il Free Cinema, cioè quelle correnti che hanno caratterizzato la sperimentazione avanguardistica nel Vecchio Continente. Naturalmente non sarà possibile comprendere tutti i protagonisti delle due tendenze, molti e tutti rilevanti, ma per quanto riguarda la “Nuova ondata” francese saranno significativamente rappresentati autori come Godard, Resnais, Marker e Malle, mentre per il Free Cinema inglese, oltre al fondamentale Sabato sera, domenica mattina, di Karel Reitz, saranno offerte al pubblico due autentiche rarità, i cortometraggi di una fondatrice del movimento, la scrittrice Lorenza Mazzetti, che sarà presente alla proiezione . Diamo di seguito l'intero calendario della manifestazione .

DOMENICA 4 MAGGIO  CINEMA LUMIERE ORE 20.00.

L’anno scorso a Marienbad, di A. Resnais, 1961

Notte e nebbia, di A. Resnais, 1956

LUNEDÌ 5 MAGGIO  CINEMA LUMIERE ORE 18,15-20,15-22,15.

CON REPLICHE IL 6, 12, 13, 19, 20 MAGGIO

Hiroshima mon amour, di A. Resnais, 1959

MERCOLEDÌ 7 MAGGIO  CINEMA LUMIERE ORE 17.30.

Je t'aime je t'aime, anatomia di un suicidio, di A. Resnais, 1968

Van Gogh , di A. Resnais , 1950

GIOVEDÌ 8 MAGGIO GALLERIA DE’ FOSCHERARI ORE 18.00.

La jetée, di C. Marker,1963

Les statues meurent aussi, di A. Resnais e C. Marker, 1953

Fino all’ultimo respiro, di J-L Godard, 1960

MERCOLEDÌ 14 MAGGIO CINEMA LUMIERE ORE 17,45.

Weekend, un uomo e una donna dal sabato alla domenica , di J-L Godard, 1966

GIOVEDÌ 22 MAGGIO GALLERIA DE’ FOSCHERARI ORE 18.00.

K (1953) e Toghether (1955), di Lorenza Mazzetti, che sarà presente alla proiezione.

Sabato sera, domenica mattina, di K. Reitz, 1960

GIOVEDÌ 29 MAGGIO GALLERIA DE’ FOSCHERARI ORE 18.00.

Guernica, di A. Resnais , 1950

Une histoire d’eau , di J-L Godard e F. Truffaut, 1961

Ascensore per il patibolo, di L. Malle, 1957

IL CINEMA UNDERGROUND AMERICANO

Mercoledì 9 aprile, presso la Galleria De’ Foscherari, riprende l’attività, promossa dalla Cineteca assieme alla Galleria stessa, con una nuova rassegna, questa volta dedicata all’Underground cinema, cioè alla Neoavanguardia cinematografica americana. Dopo le Avanguardie europee e la loro emigrazione negli Stati Uniti, vengono proposti i film più significativi di una straordinaria stagione culturale, quella che ha visto l’affermarsi dell’Actionpainting, del New Dada e della Pop Art, nelle arti figurative; della letteratura beat; del teatro gestuale e della musica post-dodecafonica.

Quello che Pietro Bonfiglioli, in un saggio riportato nel volume La rivisitazione delle Avanguardie cinematografiche, disponibile in Galleria e al cinema Lumière, chiama Il cinema dell’esclusione ha una sua specifica e fondamentale collocazione nell’ambito del turbinoso ripresentarsi delle Avanguardie alla ribalta internazionale negli anni cinquanta e sessanta. La furia iconoclasta, che spinge la critica dell’arte fino alla destrutturazione della comunicazione stessa, trova nel cinema underground ineludibili punti di riferimento, costituiti dall’opera di filmakers come S. Brakhage, K. Anger, G. Markopoulos e J. Smith (tutti presenti nella rassegna), nonché un suo superamento critico nel cinema pop, in particolare nelle opere filmiche di A. Warhol,anch’esso rappresentato con uno dei suoi film più celebri,il famosissimo Lanesome cawboys, che verrà proiettato su grande schermo al cinema Lumiere.

Diamo di seguito il programma dettagliato della manifestazione, sottolineando che le opere presentate sia alla De’ Foscherari sia al cinema Lumière saranno introdotte e commentate da Vittorio Boarini.

Mercoledì 9 Aprile ore 18.00

Galleria de'Foscherari - Dog star man(preludio), di Stan Brakhage, 1961 -64

Scorpio rising, di Kenneth Anger, 1962 - 63

Mercoledì 16 Aprile ore 18.00

Galleria de'Foscherari - Flaming creatures, di Jack Smith, 1963

Sabato 19 Aprile ore 17.40

Cinema Lumière - Lonesome Cawboys, di Andy Warhol, 1968

Mercoledì 23 Aprile ore 18.00

Galleria de'Foscherari - Twice a man, di Gregory Markopoulos , 1963

L'EMIGRAZIONE DELLE AVANGUARDIE IN AMERICA

Il nuovo ciclo di film promosso e organizzato dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria de'Foscherari, dedicato all' Emigrazione delle Avanguardie in America, si inaugurerà al Cinema Lumière giovedì 6 marzo alle ore 17:45 con la proiezione di I Sogni che il Denaro può Comprare (Dreams that Money can Buy), un film in 6 episodi, realizzato fra il 1944 e il 1946 da Hans Richter negli Stati Uniti assieme a cinque artisti famosi (M. Duchamp, F. Leger, Max Ernst, A. Calder, Man Ray), che avevano con lui lasciato la Francia prima dell'invasione tedesca.

Non casualmente quest'opera inaugura la rassegna, dal momento che rappresenta in modo esemplare l'emigrazione dall'Europa sconvolta dalla guerra, della cultura avanguardistica e dei suoi principali protagonisti tedeschi, francesi e americani residenti a Parigi. Ciò vale anche per le musiche che accompagnano i vari episodi, dovute ad artisti della statura di Edgar Varèse, John Cage, Darius Milhaud.

In questa occasione gli organizzatori faranno un omaggio a Pietro Bonfiglioli presentando, a 10 anni dalla sua scomparsa, una pubblicazione contenente un suo scritto sul cinema underground americano, un ricordo del direttore della Cineteca, Gian Luca Farinelli, e un saggio sulla Neoavanguardia cinematografiva di Vittorio Boarini. Bonfiglioli infatti è stato il consigliere culturale della Galleria de'Foscherari, editrice della pubblicazione, e il presidente della commissione cinema del Comune, di quel gruppo di intellettuali comprendente fra gli altri R. Renzi, D. Zanelli, G. Galletti, che progettò e volle realizzare la nostra Cineteca.

Dopo questo primo riconoscimento ai meriti di un intellettuale, che la sua città sembra avere dimenticato, altri ne seguiranno, poiché Bonfiglioli nell'ambito della critica artistica, cinematografica e letteraria è stato un vero maestro.

Succesivamente alla proiezione del Lumière, la rassegna continueà presso la Galleria de'Foscherari tutti i giovedì, alle ore 18 e a ingresso libero, secondo il calendario seguente.

GIOVEDÌ 6 MARZO ORE 17.45

Cinema Lumière  The Dreams that Money can buy - Sei episodi coordinati da Hans Richter, 1946

GIOVEDÌ 13 MARZO ORE 18.00

Galleria de' Foscherari  Meshes of the afternoon, di Maya Deren, 1943

At land, di Maya Deren, 1944 - Geographie of the body, di Willard Maas, 1943

Visual variations on Noguchi, di Marie Manken, 1945

GIOVEDI 20 MARZO ORE 18.00

Galleria de'Foscherari  Mother's Day, di James Broughton, 1948 -Fireworks,

di Kenneth Anger, 1947

GIOVEDI 27 MARZO ORE 18.00

Galleria de 'Foscherari Fragment of seeking, di Curtis Harrington, 1946

Psiche (prima parte di Du sang de la volupté et de la mort), di Gregory Markopoulos, 1947

Nel mese di Aprile si svolgerà un altro ciclo dedicato al cinema Underground americano, con molte opere rappresentative, fra le quali alcuni film di Andy Warhol

CINEMA IN GALLERIA

La Galleria de'Foscherari, sempre in stretta collaborazione con la Cineteca di Bologna, riprende l'attività dedicata all'arte cinematografica nell'intreccio che, nella sua storia, ha intrattenuto con le arti figurative.

Dopo il cinema espressionista e surrealista, presentati nella scorsa stagione, è la volta della cinematografia astratta, dadaista e futurista, completando così il percorso del cinema nell'epoca delle Avanguardie storiche.

Le Avanguardie, infatti, con il carattere ad esse connaturato della interartisticità, superano la distinzione tra le arti e, in particolare, fanno del cinema un'articolazione della pittura facendolo coincidere in alcuni determinati momenti con le arti figurative.

Il ciclo avrà inizio con il cinema astratto giovedì 19 dicembre alle ore 18, presso la Galleria de'Foscherari per concludersi con il futurismo  al Cinema Lumière, dove verrà proiettato il famoso “L'inhumaine”, di Marcel L'Herbier, distribuito all'epoca in Italia con il titolo di Futurismo.

CINEMA ASTRATTO GIOVEDI 19 DICEMBRE 2013 - ORE 18.00

GALLERIA DE'FOSCHERARI
V. EGGELIN : Sinfonia diagonale ( 1923-25)H. RICHTER: Rithmus 21,23 (1921 -23)W. RUTTMANN:Opus 1,2,3,4 (1923-26)F. LEGER: Le ballet macanique (1924)

CINEMA DADAISTA  GIOVEDI 9 GENNAIO 2014 - ORE 18.00

GALLERIA DE'FOSCHERARI
M. DUCHAMP : Anemic CinemaH. RICHTER: Fantasmi del mattino - FilmstudieR. CLAIR : Entr'acte

CINEMA FUTURISTA GIOVEDI 16 GENNAIO 2014 – ORE 18.00

GALLERIA DE'FOSCHERARI
D. VERTOV :L'uomo con la macchina da presa
GIOVEDI 23 GENNAIO 2014 – ORE 17.30

CINEMA LUMIERE
M .HERBIER : L'Inhumaine

NUNZIO - OPENING SABATO 14 DICEMBRE 2013 ORE 18.00

Dopo alcuni anni di assenza dalla scena espositiva bolognese, Nunzio vi ritorna presentando presso la Galleria de' Foscherari, un nutrito gruppo di opere recenti, che offrono all’attenzione del pubblico dell’arte e all’attesa dei tanti estimatori dello scultore una eloquente testimonianza della vitalità del suo lavoro e una rinnovata prova della sua originalità.

Nato in Abruzzo nel 1954, trasferitosi giovanissimo a Roma, dove compie i suoi studi all'Accademia di Belle Arti, Nunzio si segnala rapidamente (la sua prima mostra personale è del 1981) come figura di spicco, nell’ambito della nuova generazione di artisti italiani che sale alla ribalta sul finire degli anni Settanta, per affermarsi decisamente nel decennio successivo. Nel clima di quella stagione creativa, dominata da molteplici orientamenti espressionistici e variegati citazionismi, Nunzio si presenta come un temperamento dissonante rispetto alle tendenze più diffuse, offrendo il profilo di un artista interamente concentrato sull’interrogazione delle proprietà linguistiche della scultura e sull’impegno di riformularne ed esaltarne le potenzialità espressive, preservandone inalterata l’identità.

Tramite un esercizio fortemente sperimentale nell’impiego di mezzi, materie e procedure, come la pratica della combustione del legno, Nunzio giunge a conquistare nel volgere di breve tempo risultati di sorprendente novità ideativa, che impongono la qualità del suo lavoro all’attenzione della critica più attenta e gli procurano, attraverso le opere presentate nel 1986 alla XLII Biennale di Venezia, il riconoscimento del premio 2000 destinato al migliore giovane artista. Negli anni seguenti si moltiplicano per Nunzio i riconoscimenti e gli appuntamenti espositivi: nel 1987 la Galleria Civica di Modena gli dedica un’importante mostra personale; nel 1995 ottiene alla Biennale di Venezia un significativo riconoscimento con la menzione d’onore; sempre nel 1995 la Galleria d’Arte Moderna di Bologna, nella sede di Villa delle Rose gli dedica un’ampia retrospettiva; dieci anni più tardi è il Macro di Roma ad ospitare una ricca antologia di suoi lavori; intanto nel 1998 l'accademia nazionale di San Luca gli attribuisce il premio Presidente della Repubblica. Molto ricco l’elenco delle presenze in mostre collettive, in Italia e all’estero e altrettanto nutrito il catalogo delle mostre personali in gallerie private.

Il cinema surrealista

Galleria de Foscherari – Cinema Lumière - 17 Aprile- 28 Maggio 2013

La Cineteca di Bologna e la Galleria de' Foscherari, confortate dal successo ottenuto con l'iniziativa dedicata al cinema espressionista tedesco, hanno deciso di continuare la felice collaborazione dando vita ad un secondo ciclo di proiezioni riguardante il cinema surrealista. Come con l'Espressionismo, e con tutte le correnti d'Avanguardia, anche con la grande stagione che prende l'avvio dal manifesto di Breton nel 1924 si assiste al fenomeno dell'interartisticità, cioè all'intrecciarsi in forme inedite delle arti tradizionali che sfumano e allargano i propri confini tentando di sfuggire alla separatezza specialistica.Sotto questo profilo il cinema è particolarmente significativo,e i film surrealisti scelti per questa rassegna ne forniscono esempi straordinari. Va premesso che tale scelta si è avventurata oltre i tre titoli ritenuti unanimemente di sicuro taglio surrealista, La coquille et le clergyman, di G. Dulac, conla sceneggiatura del grande drammaturgo A. Artaud, più i due capolavori di Buñuel e Dalì, Un chien andalou e L' Age d'ôr, per proporre al giudizio degli spettatori anche opere su cui i critici e gli storici sono divisi. Ecco, quindi, inseriti nel ciclo un interessantissimo film di Man Ray scritto dal poeta Desnos, L'etoile de mer; un celebre “documentario” del grande Jean Vigo, A propos de Nice; e il famosissimo Le sang d'un poète, opera di Jean Cocteau disprezzata dai surrealisti stessi, in particolare da Breton, ma che è stata fondamentale per l'avventura americana del Surrealismo fuggito dall'Europa che il Nazifascismo stava per precipitare nella seconda guerra mondiale; L' Atalante, indimenticabile capolavoro con cui Vigo posefine alla sua breve vita, che concluderà la rassegna al cinema Lumière.Va pure anticipato, i film saranno tutti presentati e commentati da Vittorio Boarini, che la rassegna consentirà anche di chiarire la divaricazione fra “Surrealismo bianco” e “Surrealismo nero”, che tormenta i seguaci di Breton e che questi tenterà in vano di superare. Ma veniamo al calendario dell amanifestazione , che si svolgerà presso la galleria de foscherari , Via Castiglione 2B dal 17 aprile al 22 Maggio , per concludersi, lo ripetiamo , al cinema Lumière il 28 Maggio sempre alle ore 18.00. Alle giornate di apertura e chiusura parteciperà Anna Fiaccarini , responsabile della biblioteca Renzo Renzi , la quale illustrerà inuovi servizi e le attività della Cineteca ,illustrando le nuove tessere “ Amici” e “ Sostenitori”

MERCOLEDI 17 APRILE ORE 18.00

Germaine Dulac  - La coquille et le clergyman, 1927 (muto, versione originale)

MARTEDI 23 APRILE ORE 18.00

Man Ray - L'etoile de mer;1929 (muto, versione originale)

GIOVEDI' 2 MAGGIO ORE 18.00

Luis Buñuel - Un chien andalou, 1929 (muto, versione originale, sottotitoli italiani)

MERCOLEDI 8 MAGGIO ORE 18.00

Luis Buñuel - L'Age d'ôr, 1930(sonoro, versione originale, sottotitoli italiani)

MERCOLEDI 15 MAGGIO ORE 18.00

Jean Vigo - A propos de Nice, 1929 (muto, versione originale)

MERCOLEDI 22 MAGGIO ORE 18.00

Jean Cocteau - Le sang d'un poète, 1930 ( sonoro, versione originale)

CINEMA LUMIERE - MARTEDI 28 MAGGIO ORE18.00 

Jean Vigo - L' Atalante , 1934 (sonoro, versione originale, sottotitoli italiani)

Pier Paolo Calzolari

Cà Pesaro - Galleria Internazionale d'Arte Moderna Venezia- 4 Giugno - 30 Ottobre 2011

a mostra - ideata da Pier Paolo Calzolari, con Silvio Fuso e Daniela Ferretti e co-organizzata dalla Fondazione Musei Civici di Venezia e dalla Fondazione Calzolari - presenta nell’androne longheniano e il secondo piano di Ca’ Pesaro 25 opere dell’artista, realizzate tra il 1968 e oggi. Di fronte alla facciata del Museo, tra le acque del Canal Grande, sarà inoltre collocata la scultura Struttura ghiacciante del 1990.

La mostra offre una rara opportunità di osservare la pluralità dell’opera di Calzolari e la sua capacità di coniugare i linguaggi formali più diversi. Catalogo Gli Ori, con testi critici di Massimiliano Gioni e Denys Zacharopoulos e la documentazione fotografica completa delle opere esposte. Dai primi lavori attorno al 1965 fino ad oggi Calzolari ha seguito un processo di ricerca complesso sotto il segno del pluralismo, evitando ogni forma di ripetizione che non fosse legata alle esigenze del reale. Per la continua capacità di rigenerarsi negli oltre quarant’anni della sua carriera è oggi considerato uno degli artisti più inventivi e vivaci della sua generazione. Nato nel 1943, Calzolari realizza nel 1966-67 l’opera-performance Il filtro e benvenuto all’angelo nel suo studio di Palazzo Bentivoglio a Bologna ed è fra gli artisti che espongono al “Deposito d’Arte Presente” di Torino in una delle iniziative inaugurali dell’Arte Povera. Nel 1969 partecipa alla rassegna di Berna When Attitudes become Form. Nascono in questi anni le sue prime sculture ghiaccianti e il lavoro intitolato la Casa ideale che riunisce opere di tipologie diverse che l’artista realizza fattivamente a partire da un suo testo scritto con valore programmatico. La prossimità con gli altri artisti dell’Arte Povera si manifesta nell’esigenza affermata da Calzolari di un’orizzontalità d’ispirazione francescana che porta a una rielaborazione dei rapporti fra arte, esistente, e natura. L’utilizzazione di materiali poveri – come foglie di tabacco, margarina, petali dell’albero di Giuda, muschio, piombo, ghiaccio, neon dalla luce evanescente – testimoniano il desiderio di duttilità non convenzionale dell’artista la cui purezza espressiva e formale è sempre legata al passaggio del tempo e al processo di trasformazione della materia.

A volte conservatrice ma spesso irriverente, intimamente attenta alla disciplina dell’arte ma capace d’ironia, l’opera di Calzolari si è nutrita dal temperamento nomade dell’artista i cui continui spostamenti tra grandi città, o località più remote, hanno generato una visione dell’arte come luogo di trasformazione o di mutamento dalla pittura alla scultura, dalle performance alla danza, dalle istallazioni ai video. Da ormai venticinque anni l’artista si è appartato nel Montefeltro dove prosegue la sua ricerca.

La mostra di Ca’ Pesaro permette di percorrere con rapidi sguardi l’avventura di un artista scontroso ma attentissimo al palpitare della storia, passando dai lievissimi tracciati luminosi ai più recenti e stupefacenti sali neri combusti.

Bologna si rivela - Giovedì 21 Gennaio 2010

San Giorgio in Poggiale - Bologna - Claudio Parmiggiani - Scultura d'ombra ​

Giovedì 21 gennaio 2010, alle ore 18, presso la chiesa di San Giorgio in Poggiale a Bologna, ora Biblioteca d’Arte e di Storia, si inaugura l’opera permanente di Claudio Parmiggiani, promossa e sostenuta dalla Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna e con la collaborazione della Galleria de’ Foscherari, Bologna

La Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, rinnovando un’antica ma ormai rara tradizione di committenza pubblica, con questo nuovo e ambizioso progetto porta a compimento la decorazione artistica di questa importante biblioteca della città. Nello spazio della chiesa di San Giorgio che ha mantenuto intatte le sue antiche e luminose strutture – valorizzate da un sapiente e discreto restauro conservativo – l’opera di Claudio Parmiggiani, di imponenti dimensioni, si inserisce quasi per via naturale nelle tre specchiature concave dell’abside, a formare con l’altra sua opera Campo dei Fiori, già presente sull’altare maggiore, un’unità poetica e altamente simbolica.

Dipinto dal fuoco e dal nerofumo nei tre grandi riquadri del coro, lo straordinario ‘affresco’ appositamente concepito da Claudio Parmiggiani per l’abside della chiesa di San Giorgio in Poggiale a Bologna, è un commentario sull’assenza e sul tempo. Realizzata tecnicamente attraverso una messa in opera vertiginosa, l’opera, monumentale inno alla sacralità della parola, si mostra come il risultato silente di una sconvolgente tragedia. Di una antica, metaforica biblioteca restano in quello spazio le ombre e un’aureola di cenere, materia penitenziale. La traccia ancora visibile della fiamma che quei libri ha lambito, è impressa come stimmate nel corpo dell’edificio e si impone nello sguardo dell’osservatore, quasi tragica allegoria della ferita che il luogo ha ricevuto nel suo passato. Il risultato ottenuto, magistrale e impressionante, a metà strada tra il fisico e lo psichico, è di una grande intensità poetica e costringe a riannodare i fili di una memoria suggerendo una differente percezione del tempo e dello spazio. Luogo di cenere e di ombre e anche parola che rinasce dalla sua cenere.

«Più niente, restava il soffio» scrive Mallarmè in Igitur. Più niente, più nessun abitante, più nessun oggetto, solo la luce, l’alito creatore, visibili nella loro fragile impronta di polvere. L’aria, il respiro, l’incorporeo, l’immateriale sono la materia sublimata, il medium stesso di questa opera. Illusione e allusione. La lingua fluttuante della fiamma ancora visibile nell’impronta di ogni libro, «lo maggior corno della fiamma antica» diviene qui ulteriore metafora, introducendo ad un supremo, luminoso grado della lingua. Preghiera, sentimento di una totalità perduta.

Germano Sartelli

Villa delle Rose, 23 settembre al 19 ottobre 2008 

Protagoniste di questo nuovo progetto espositivo sono la Galleria Arte e Arte e la Galleria De’ Foscherari, che in quest’occasione hanno deciso di presentare due mostre personali, rispettivamente di Nanni Valentini e di Germano Sartelli.

“La scelta di approfondire monograficamente l’opera di un artista che ha rappresentato una tappa fondamentale per il lavoro di ricerca della propria galleria – sostengono i galleristi coinvolti Cecilia La Rosa (Arte e Arte), Pasquale Ribuffo e Bernardo Bartoli (De’ Foscherari) - nasce dalla profonda convinzione che la storia di una galleria sia anche e soprattutto la storia degli artisti di cui si è occupata lungo il suo percorso. In particolare si è pensato di accostare il lavoro di Valentini e di Sartelli perché, oltre ad essere artisti della stessa generazione, sono accomunati da alcuni aspetti di vicinanza reciproca: l’atteggiamento di totale dedizione al lavoro in primo luogo, che li ha portati a tenere un comportamento defilato rispetto alla scena artistica, ma soprattutto il costante tentativo di arrivare all’intima essenza delle cose, che si manifesta nel profondo rapporto con la natura di Sartelli e nell’espressione simbolica di tematiche esistenziali nel caso di Valentini.”

L'Istituzione Galleria d'Arte Moderna è lieta di presentare il quinto appuntamento del progetto Not So Private. Gallerie e storie dell'arte a Bologna, ciclo espositivo in sette momenti realizzato insieme all'Associazione Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea - ASCOM Bologna.

Questo nuovo appuntamento di Not so Private diventa quindi l’occasione per esplorare l’opera di due figure di rilievo dell’arte italiana dal secondo dopoguerra ad oggi, oltre che il pretesto per offrire una lettura inedita del loro modus operandi. Fino al 19 ottobre, infatti, gli spazi di Villa delle Rose accolgono le opere di questi due maestri allestite in modo da creare un dialogo continuo e costante tra i loro lavori, ma soprattutto tra il loro modo di sentire e intendere l’arte. Nell’intento di rendere visibile quel filo rosso che tiene insieme l’avventura creativa di Sartelli e Valentini, si è deciso di fondere la presentazione dei due artisti in un unico percorso, creato alternando sale monografiche dedicate di volta in volta all’uno e all’altro. Secondo questa modalità viene quindi presentata una selezione di opere significative di Germano Sartelli, dalla seconda metà degli anni ’50 a oggi, che ripercorrono la sua ricerca e sottolineano l’uso di materiali insoliti - dalle ragnatele alle muffe, alle cartine di sigarette, alle terre, alle garze, al vimini - raccolti dall’artista come “reperti con un proprio tempo”. Ad affiancarle, in un costante contrappunto formale e poetico, un nutrito gruppo di terrecotte di Nanni Valentini, ceramista di formazione ma anche pittore e disegnatore, prodotte nell’ultimo decennio della sua vita (dal 1973 al 1985), oltre ad una selezione di opere su carta e su tela.

Per questa occasione verrà esposta un’opera inedita di Germano Sartelli, appositamente creata dall’artista. Si ringrazia inoltre l’Archivio Nanni Valentini per la collaborazione.

Claudio Parmiggiani - Silenzio a Voz Alta

Museo Nacional De Bellas Artes - La Habana - 24 Marzo - 4 Giugno 2006

Vorrei innanzitutto ringraziare l’amico e artista Abel Herrero e i miei assistenti, Mauro Pettigiani e Francesco Ribuffo, tutti gli amici, i tecnici del Museo Nacional de Bellas Artes che con passione e competenza hanno reso possibile la realizzazione di questa opera. Grazie per l’invito che mi è stato rivolto dal Consejo Nacional de las Artes Plasticas che ho accolto con piacere e che mi ha permesso di mostrare per la prima volta il mio lavoro al pubblico dell’Avana e di offrirlo, assieme a queste mie parole, al giudizio degli artisti di questo bellissimo e umanissimo paese. Grazie alla Fundation Nicolás Guillén e grazie a tutti voi per aver voluto onorare della vostra presenza questa occasione.  Desidero dire alcune parole che solo indirettamente parlano di questa opera. Indirettamente perché credo che un’opera non si possa dire con le parole.

Un’opera è sempre un viaggio verso il tutto e verso il nulla, verso il buio che è dentro di noi. Nessuna parola può svelare quel mistero che è la vita profonda di un’opera, l’infinito che è dentro un’immagine.

A proposito di questa opera posso solo parlare della sua forma visibile, premettendo che un’opera non è mai un gesto di buona educazione, nè tranquillizante né ottimista, ma un gesto duro, radicale, estremo.

E’ un’opera fatta di cenere, di aria, di luce, di fuoco. Fuoco che è luce e tragedia dentro lo sguardo. E’ un’opera delicata come le ali di una farfalla. Farfalla in Greco si traduce psyché e psyché significa anche anima. Un’opera immateriale, fatta di silenzio e con la materia del tempo. Un’opera fatta di parole bruciate. Tecnicamente è realizzata nel modo seguente. Si è trattato di costruire una realtà, distruggere questa realtà per realizzare una nuova realtà. Un’allegoria, una metafora, un percorso da una dimensione fisica ad una dimensione metafisica.

Mi piace osservare il tempo che lascia la sua impronta, che sia lui a disegnare con la sua sperduta immaginazione. Lavorare con tutto ciò che si disperde, che è impalpabile, imprendibile, con quello che c’è di più duraturo: l’ombra, la cenere, la polvere. Fare dell’ombra il vero e non un riflesso.

Vorrei ora sottolineare una cosa; l’importanza che ha per me, in questa opera, lo spazio.

La realtà di un opera comincia aldilà di ciò che di essa è visibile.

 Quale spazio e quale senso cerca oggi un’opera?

Che cosa significa esporre? Che cosa significa fare arte oggi?

Rivolgo queste domande perché porsi il problema dello spazio dell’opera significa porsi non solo il problema di uno spazio formale, estetico ma di uno spazio etico, politico dentro il quale l’opera andrà a situarsi. L’opera, come l’artista, è spesso prigioniera di un mondo che non le è amico e in questo mondo lotta per difendere non solo uno spazio materiale ma uno spazio spirituale, quell´ attimo assoluto che realizza la sua libertà.

Provengo da un Paese, da una formazione, da una esperienza artistica e da una forma di società diverse. Quello che nelle mie parole potrà sembrare distante, forse paradossale, estraneo alla vostra esperienza, oppure un limite, presuppone questa consapevolezza. Parlo soprattutto di ció che io vivo. Ho voluto, nel titolo di questa opera, dare un particolare accento alla parola silenzio. Quando parlo di silenzio non intendo il silenzio della mia voce, un silenzio rinunciatario, ma un silenzio dentro la forma della mia opera. Parlo del silenzio come di una materia.

Il silenzio lo considero una presenza ed un gesto estetico oggi necessari all’interno di un discorso sull’arte e, anche se potrà sembrare un paradosso, un modo di assumere una posizione, una reazione a quel linguaggio che fà del clamore, del gratuito e della superficialità il suo obbiettivo artistico. Il silenzio lo considero quindi un segno di fermezza perché silenzio non significa solo silenzio ma significa anche non concedersi e non concedere nulla.

C’è l’esigenza che l’arte di oggi, in gran parte asservita alla moda e al mercato , esca da molte ambiguità e compromessi.

Invece di attardarsi attorno a obsolete formule stilistiche, a mode da rincorrere, si dovrebbe prendere coscienza di una nostra globale condizione tragica e sentirci piuttosto come condannati al rogo che chiamano attraverso le fiamme.

Questo asservimento credo sia principalmente alla base della demoralizzazione attuale e riguarda, appunto, una forma di cultura che si sottrae al preciso dovere di essere tale. Una cultura che non coincide con la vita e che è fatta per dettare legge alla vita.

Dico questo anche perché, invece di identificarsi in una cultura, che definirei dell´ ottimismo, occorrerebbe riflettere e prendere coscienza, ad esempio, che il mondo ha fame e che non si preoccupa di una sedicente cultura.

La cosa più urgente non dovrebbe essere dunque quella di rincorrere una qualsiasi moda artistica o quella cultura dell’effimero la cui esistenza, per usare le parole di Antonin Artaud, “non ha mai salvato nessuno dall’ansia di vivere meglio e dall´ angoscia della fame“, ma estrarre da ciò che crediamo sia davvero e profondamente la cultura o l’arte, idee la cui intensità e forza siano pari a quella della fame.

Per un artista l’arte, quando é vissuta con veritá, è l’unica, anche se silenziosa, forma di esistenza e di resistenza.

Per la società, per quella cultura dell’ effimero di cui parlavo, l’arte che amiamo, che difendiamo e attraverso la quale ci opponiamo, cosi come la letteratura o la poesia, sono parole spesso dimenticate. Sono problematiche, pongono domande, non danno risposte, offrono solo dubbi. Per chi ha una responsabilità politica e quindi etica, tenerne conto, difenderle come un dovere e sentirle come un bene, significa accettare un rischio, nella consapevolezza che un bene spirituale è ricchezza, che “cultura” è essenza di benessere.

Noi abbiamo bisogno di questa arte.

C’è un’eredità spirituale che non deve essere dissipata. E anche un dovere e una responsabilità che gli artisti devono assumersi. Non smarrire il senso profondo del loro passato storico, artistico, e morale, perché dentro questa dignitá é scritto tutto e solo quello di cui abbiamo veramente bisogno: una verità. L’arte deve ritornare ad essere arte, tornare a parlare al cuore dell’uomo.

Nell’infanzia del tempo l’arte fu preghiera. Poco è rimasto di quella infinita bellezza.

Ora non siamo più capaci nemmeno di pregare. Camminiamo come ciechi erranti tra la rovine.

Abbiamo bisogno di ricostruire.

Claudio Parmiggiani, L’Avana, 24 marzo 2006