Enzo Minarelli - Enrico Serotti | IL BRACCIO E LA VOCE

Il Braccio e la Voce si configura come un evento live della durata di una ventina di minuti dove la poesia sonora di Enzo Minarelli dialoga con la musica gestuale di Enrico Serotti, la voce incarna e riveste le parole mentre il movimento mimico modula elettronicamente a distanza un tessuto musicale fatto di ritmi e rumori. Ne risulta un connubio tra corpo e macchina, dove l’uno si fonde nell’altro dando vita ad una nuova entità performativa.

Il musicista assomiglia sempre più ad un direttore d’orchestra che articola una partitura rumorica in rapporto diretto sia con la vocalità che l’oralità poetica come avveniva nella tradizione tedesca dei lieder. In simile artefatto contesto ancora una volta la voce del poeta si dimostra solida e concreta. Scopo dichiarato dei performers: rimettere in scena il corpo e la sua corporeità nella maniera più essenziale, senza strumenti e/o accessori visibili, ma nella più totale modernità. 

CONVERSAZIONE IN GALLERIA - Claire Fontaine & Fabiola Naldi

Martedì 29 Aprile 2025, ore 18

Fabiola Naldi e Claire Fontaine prenderanno la mostra Lotta come punto di partenza per elaborare una riflessione sul presente in crisi partendo dalla frase di Foucault “i rapporti di potere passano attraverso i corpi”. Lotta è un campo d’intensità in cui il corpo femminile - e il sesso delle donne in particolare - è presentato come campo di battaglia emblematico della violenza del nostro tempo. Si investigheranno le strategie di creazione di speranza e di libertà a partire da questa faglia illeggibile del patriarcato, da questa fessura da cui nasce la vita interpretata come un luogo metafisico continuamente occultato del pensiero occidentale. La nuda vita - prodotta secondo Arendt dal potere totalitario - è presente in potenza nella nostra vita quotidiana di noi tutt3 - in particolare nelle donne, i bambini, i trans i/le colonizzat3- e quando gli abusi del potere si aggravano può diventare una condizione totalizzante che bisogna rendere visibile e reversibile con urgenza in tempo di guerra come in tempo di pace.

CLAIRE FONTAINE | SIAMO CON VOI NELLA NOTTE

L’installazione luminosa Siamo con voi nella notte del collettivo femminista Claire Fontaine inaugura il 31 gennaio 2025 fino al 1 maggio 2025 in Piazza Verdi, Bologna, nell’ambito di ART CITY Bologna e del Piano della Notte del Comune. 

Il progetto, curato da Fabiola Naldi e realizzato in concomitanza con la mostra Lotta di Claire Fontaine, inaugurata a gennaio presso la Galleria de’ Foscherari, si accende alla presenza della Vicesindaca con delega alla Notte Emily Clancy, della curatrice Fabiola Naldi, di Francesco Ribuffo per Galleria de’ Foscherari e delle e degli street host di Nottambula, portando Piazza Verdi all’interno del calendario di ART CITY Bologna 2025.

La scritta Siamo con voi nella notte si ispira ai murales degli anni Settanta a sostegno dei prigionieri politici, e assume nel lavoro di Claire Fontaine un ulteriore significato, in cui la notte diventa simbolo non solo di prigionia, ma anche di paura e disperazione, rischiarata dalle forze della resistenza e della compassione reciproca. La grande scritta in LED azzurra, già esposta alla Biennale di Venezia e al Museo del Novecento di Firenze, è collocata sulla facciata del Teatro Comunale, attualmente in restauro.

L’opera si inserisce nel progetto Nottambula, volto a migliorare la vivibilità e la sicurezza della vita notturna attraverso interventi di mediazione, accompagnamento e raccolta del vetro, contribuendo a rendere la notte più accessibile e accogliente per tutte e tutti.

DOMENICO BRANCALE - NON DIRE A SORDO

DAL 12 AL 19 FEBBRAIO 2022

NON DIRE A SORDO 

di Domenico Brancale

Regia di Jacopo Gandolfi, manipolazione sonora di Manfredi Clemente

con: Domenico Brancale, Pintus il cane 

Video proiettato durante la mostra di Sophie Ko -Il resto della terra, e in occasione del Convegno Internazionale "Rivel-Azione. Politica della poesia e poesia della politica in Europa e nel Mediterraneo in età contemporanea" organizzato dall'Istituto Nazionale Parri e la Fondazione Murialdi.

Oggi più che mai siamo costretti ad accettare la vita in un mondo da cui si è assenti, assenti e dunque estranei a noi stessi, avvolti nella nebbia della solitudine. Nessuna passione è permessa, se non la paura dell’altro. Dove la parola è impossibile, è vano parlare di libertà di parola. Il linguaggio poetico è sempre più a rischio, ma il solo a farsi resistenza. Dinanzi a tutto ciò, a questo dissolvimento, è necessaria la fiducia in linguaggi nuovi che sappiamo parlare la lingua di un passato che deve ancora avvenire, che sappiamo farsi attenzione, gratitudine. Nel video NON DIRE A SORDO una voce, lontana da tutto e da tutti, raccoglie le rovine dei luoghi delle parole, in cui i parlamenti, i salotti letterari, i caffè, le riunioni pubbliche, hanno perso la funzione di espressione sociale. 

Domenico Brancale è un poeta e performer di origini lucane. Ha pubblicato: L’ossario del sole  (Passigli, 2007),  Controre (effigie, 2013),  Incerti umani  (Passigli, 2013), Per diverse ragioni  (Passigli, 2017) e Scannaciucce  (Mesogea, 2019) che raccoglie tutti i suoi testi in dialetto lucano. È uno dei curatori della collana di poesia straniera “Le Meteore” per Ibis e “Prova d’Artista” per la Galerie Bordas. Ha curato il libro Cristina Campo In immagini e parole e tradotto testi di Cioran, J. Giorno, C. Royet-Journoud, Giacinto Scelsi, Artaud. Il suo lavoro sulla voce e sullo spazio ha prodotto le performance: Questa deposizione rischiara la tua assenza (Galleria Gasparelli, Fano 2009), un sempre cominciamento(galerie hus, Paris 2012), Nei miei polmoni c’è l’attesa  (Galleria Michela Rizzo, Venezia 2013), incerti umani (Festival Città delle 100 scale, Potenza, 2013), Se bastasse l’oblio  (MAC Lissone, 2014),  Langue brûlé  (Palais de Tokyo, Paris 2014),  Scannaciucce - una lode dell’Asino  (Matera 2019). Collabora con le riviste L’internazionale, Le nature indivisibili, Antinomie. È in uscita per le Edizioni degli animali il volume Mal d’acqua con immagini dell’artista Miquel Barceló.

 Jacopo Gandolfi è un regista con sede a Bologna e Istanbul. Ha diretto diversi cortometraggi, reportage per la RAI e documentari, tra cui: Quante cose non sono chiamate amore (2005),  Donme Istanbul (2009), Isgrò Var ve Yok (2011),  Dal Nulla al Sogno (2019) per l’omonima mostra alla Fondazione Ferrero. Collabora con il poeta e performer Domenico Brancale con cui ha diretto video proiettati in gallerie d’arte, tra cui: Se bastasse l’oblio (2014), Nei miei polmoni c’è l’attesa (2012),  Canti di un pellegrino (2016).

Manfredi Clemente è un compositore, sound artist e sound designer con sede a Palermo (IT). La sua ricerca teorica e pratica si concentra sul concetto di immagine sonora, sulla sua fenomenologia, il suo carattere evocativo e la sua dimensione spaziale. L'idea del suono come qualcosa di esplorabile guida la sua attività compositiva. Da diversi anni fa parte del B.E.A.S.T. - Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre e ha curato l'installazione e le performance dell'acousmonium del FMC - Festival di Musica Contemporanea di Cagliari. Tra il 2017 e il 2019 ha lavorato come tecnico A/V e fonico per il Teatro Massimo di Palermo. Nel 2020-2021 si è occupato della registrazione audio e dello streaming online nello stesso teatro lirico. Comporre per il teatro e la performance artistica è uno dei suoi principali interessi, che lo ha portato a collaborare con diverse compagnie e artisti tra cui Johannes Erath, Kor'sia, Maria Vittoria Bellingeri, LOT-EK, Gaetano Costa, Dario Enea (Soggettile Teatro), Marìka Pugliatti, Clémence Kazemi e Marco Giusti (Wild are the Donkeys).

SOPHIE KO - IL RESTO DELLA TERRA - DAL 9 OTTOBRE 2021 AL 28 FEBBRAIO 2022

Il Resto della terra - Opening sabato 9 ottobre dalle ore 15 alle 20.00

La galleria de’ Foscherari è lieta di annunciare la mostra Il resto della terra di Sophie Ko (Tbilisi, Georgia - 1981), sua seconda personale presso la galleria bolognese, dopo Terra del 2016. L’artista georgiana, già da diversi anni trasferitasi stabilmente in Italia, presenta una serie di lavori eterogenei nei materiali e nei supporti ma facenti parte di un’unica grande visione, tesa ad indagare il rapporto tra la cruda attualità del mondo e la ricerca di un’immagine dell’Assoluto.

Fin dalle sue prime mostre, all’inizio degli anni ’10, Sophie Ko, elabora il proprio lavoro attraverso la ricerca dei resti di mondi remoti, inattuali, dimenticati. Il suo gesto artistico rimesta tra le ceneri di una civiltà e, proprio per questo, appare come avulso dall’oggi, dal panorama artistico contemporaneo che si polarizza, piuttosto, tra la dimensione di un’arte politicamente impegnata e la pura ricerca formale, dettata da canoni sperimentalismi ormai fusti.

Sophie Ko, in fondo, si ripete ma perché è alla ricerca di quell’immagine immobile dietro al crollo di ogni immaginario metafisico. Se c’è un filone dentro il quale l’opera di Sophie Ko si pone è, infatti, quello che va dagli affreschi di Beato Angelico nei corridoi del convento di San Marco a Firenze e, in particolare, i quattro pannelli dipinti con una pioggia di pigmenti spruzzati sulla parete e, in apparenza, privi di soggetto, e arriva, passando da una serie notevole di visionari di ogni epoca, ai pigmenti, le ceneri e le combustioni di Claudio Parmiggiani. Detto in altri termini, Sophie Ko si definisce e si comprende all’interno della lenta e progressiva dissoluzione dell’immagine dell’Assoluto, della sua impossibilità di rappresentazione, proprio attraverso il processo storico di riduzione del mondo ad immagine. Quando l’immagine diventa il linguaggio stesso del reale, allora per rappresentare, per dare immagine di ciò che immagine non è, occorre ritornare agli elementi primari, alla dimensione di apertura della materia pittorica, ai gesti primordiali: il fuoco, la luce, l’oro che brilla di luce propria. In fondo, Ko è agli antipodi del secolo, guarda quello che nessuno vede. Cerca l’immagine dell’invisibile

La mostra Il resto della terra di Sophie Ko sarà accompagnata da un catalogo contenente uno scritto di Federico Ferrari, filosofo, critico d’arte e vicedirettore dell’Accademia di Belle Arti di Brera, Questo libro, come l’intera mostra, è il frutto di una collaborazione decennale, intensa e profonda, tra l’artista e il filosofo che si riverbera in un gioco di risonanze e corrispondenze, di sapore baudeleriano, tra immagini, pensieri e sentimenti.

Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano.

L’artista pone al centro dei suoi lavori la questione del tempo istituendo una forte relazione simbolica tra i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono alcune delle costanti della sua ricerca artistica

Una componente essenziale delle Geografie temporali è la forza di gravità che opera sulla e con la materia del quadro, la cenere. La gravità spinge la cenere a cadere, la fa precipitare e in questo senso, dunque, ogni Geografia temporale è un segnatempo, un orologio a polvere. La cornice delimita lo spazio dell’immagine di cenere, come le ampolle della clessidra definiscono lo spazio del tempo misurabile. Con il passar del tempo la composizione del quadro cambia, la cenere cade, il tempo grazie alla forza di gravità segna il suo passaggio.

Il tempo della Geografia temporale come quello elargito da una clessidra non è solo il tempo della fine e della distruzione. La clessidra si svuota con il cadere della polvere, il tempo passa inesorabile; ma come cresce la sabbia sul fondo dell’ampolla inferiore, così la vita prende forma nel suo scorrere, nel suo rapportarsi alle forze naturali.
Le Geografie temporali intendono mettere in scena questo rapporto tra tempo e immagine fato di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, profondità, ritorno e rinascita rispetto alla macina del tempo. Le immagini non solo subiscono il tempo, ma segnano un tempo, gli danno forma, lo portano alla visibilità, lo riempiono di senso, gli danno vita.
Le Geografie temporali possono così essere concepite come disegni del tempo che si insediano in un luogo, immagini spaziali del rapporto dialettico che intratteniamo con il tempo.

 Tra le recenti mostre personali e collettive si ricordano:
The Shape of Gold 9/12 Sophie Ko ,Metaxu, a cura di  Melania Rossi Buildingbox - Milano 2021,Atti di resistenza, in Materie, spazi visioni, Building Gallery, Milano 2020, Geografie temporali, Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro, Venezia, 2019, Sporgersi nella notte, Renata Fabbri Arte Contemporanea, Milano 2018, The Open Box, Milano 2018, Terra. Geografie temporali, Galleria de’ Foscherari, Bologna 2016, Silva Imaginum, Renata Fabbri Arte Contemporanea, Milano 2015, Solo Show, AplusB Contemporary Art, Brescia 2014. Ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone nel 2016.

 Collettive :
Paso Doble . Dialoghi sul possibile, a cura di Pietro Gagliano - Fondazione Malvina Menegaz, Castelabasso – 2021, Blocks. Storie di dialoghi oltre i limiti A cura di Daniela Brignone e Daniela Brignone - Albergo delle donne povere  2021 - Museo Riso d ‘arte Moderna e Contemporanea di Palermo 
Passages/paysages a cura di Roberto Lacarbonara - Palazzo Barbò Torre Pallavicina ( BG) 2021, Breve storia di una nuova prospettiva in pittura, a cura di Alberto Zanchetta MAC Museo d’arte contemporanea di Lissone 2021, Real Utopias, a cura di Bianca Cerrina Feroni e Melania Rossi - Manifesta 13 Marsiglia 2020 , La Galleria de’ Foscherari 1962 -2018 MAMbo Museo  d’Arte Moderna di Bologna - Project Romm - 2019 - 2020 , Vesuvio quotidiano universale, a cura di Anna Imponente, Certosa e Museo di San Marino , 2019 Napoli .

Galleria de' Foscherari 

Via Castiglione 2/b - Bologna  tel + 39  051221308  

www.defoscherari.com -galleria@defoscherari.com

Orari:da martedi a sabato : 10:30-12:30 / 15:30-19.00

GIOVANNI D'AGOSTINO - DAL 14 OTTOBRE 2020 AL 16 GENNAIO 2021

Giovanni d'Agostino

(Catania 1932 – Bologna 2000)

La Galleria de' Foscherari dedica un raffinato e potente omaggio a Giovanni d'Agostino, uno dei protagonisti "segreti" della cultura italiana degli anni ’70 e ’80, che ha dedicato energia ed impegno all’insegnamento dell’arte nelle Accademie di Belle Arti italiane, dall’Accademia di Urbino, dove iniziò ad insegnare nel 1972, a quelle di Firenze, Bologna e Milano.

L'arte di d’Agostino, nei diversi periodi, è sempre e comunque concentrata su due elementi fondanti, la luce, grande tema della sua pittura, che diviene esperienza assoluta, pensiero cristallino, "sostanza" fondante, e la ricerca sui materiali - cera, rame, neon, petali di rosa, fiammiferi, aghi di pino - a cui l'artista affida un profondo valore espressivo

“Egli - ha scritto Luciano Anceschi – ha trovato una folgorante, diversa possibilità del fare nell’ideazione di una nuova regola per un recupero eccitato, ma anche sempre più consolidato.”

Possibilità del fare: questo ha scandagliato d’Agostino, dalle primissime esperienze – ventenne, nella Sicilia di Guttuso – sino agli ultimi anni Giovanni ha condotto la sua personalissima ricerca di depurazione, di mutazione della forma, per la quale strumento fondamentale è l'elemento luminoso e la sua possibilità di trasformare e purificare ciò che tocca.

Elemento intangibile ma fisicamente percepibile è la luce, essenza del visibile, ideale limite estremo ed ultimo possibile al superamento della forma per toccare la sensazione pura, e la luce nelle opere di d'Agostino, è materia fondamentale, evocata dai materiali scelti dall'artista, quasi emanazione endogena che altera la forma trasformandola in fonte di luce: la materia perde consistenza di peso.

La cera, si fa filtro attraverso cui passa una luminosità chiara ed evanescente nella quale galleggiano, sospesi nello spazio e nel tempo, segni. Il segno, testimonianza dell’appropriazione del visibile, del suo possesso da parte dell’artista.

Segni primari, archetipici, sigillati nella cera , quasi memorie senza tempo, "come si può introdurre un petalo di papavero tra due pagine di un libro", scrive Pierre Restany.

D'Agostino sperimenta la possibilità della luce di darsi dalla materia traslucida della cera, dagli “accidenti” e dalle sue luminescenze monocromatiche, e – ancora - la possibilità del tempo di istituirsi, in segni e tracce, sotto le pelle duttile della cera, nelle risonanze acustiche dei gong che paiono dilatarsi nello spazio; nel fluire ritmico del segno – continuo, temporale – degli Ipotesti, dominati da un ritmo poetico e musicale che conduce la mente oltre la superficie, oltre il gesto, come una scala armonica, in una superficie imbevuta di luce.

Come la musica ("matrice di tutte le arti", ha scritto Fausto Melotti) la pittura è trama di pensiero, sensazione, emozione, memoria purificata dall'effimero transitorio, da ciò che non è duraturo. Misteriosa memoria visiva, prolungamento nel presente, della vita delle cose - cose che, in accennate morfologie, in segni ancora leggibili affiorano alla superficie, o in essa affondano.

E' la possibilità dello spazio, che nelle opere è evocato per assenza, per levità, - dice Anceschi – per spoliazione.

La Galleria de' Foscherari ha scelto di presentare tre dei più importanti cicli di lavori di Giovanni d'Agostino, cicli che segnano la sua vicenda artistica, dalle cere ai gong agli ultimi inafferabili ipotesti.

La poesia, amatissima da d'Agostino, è come un filo che lega tutti i suoi lavori, le sue esperienze artistiche: un filo sonoro (tutta l’opera di Giovanni “suona”, è come “versi visivi”) , un fluire che trasforma l’energia in evidenza, in presenza.

“Quello che faccio porta i segni di quello che sono”: Giovanni d'Agostino è un poeta.

Silvia Evangelisti

MICHELE ZAZA | SEGRETO COSMICO | 14 DICEMBRE AL 14 MARZO

Sabato 14 dicembre alle ore 18 la galleria de' Foscherari inaugura la prima mostra personale di Michele Zaza a Bologna. La video-installazione site specific, Segreto cosmico 2018 e le due installazioni storiche Universo estraneo 1976, composta da ventisette foto, e Cielo abitato 1985, composta da sette foto in dialogo con ventuno sculture in legno, restituiscono un importante atto visivo sul tema dello spazio cosmico e della ricerca dell’alterità per Michele Zaza.

Dall’ipotesi di un “universo” alternativo al quotidiano, mediante l’astrazione delle molliche di pane sulla parete, a formare un campo di corpi ed elementi celesti, e attraverso il motivo delle bolle di sapone soffiate dal padre e dal figlio (in Universo estraneo), si passa alle immagini dei volti dell’artista e di sua moglie (in Cielo abitato) che si identificano con il cielo, diventando essi stessi dei corpi celesti - il bianco e il blu sintetizzano il cielo, mentre le pose rispondono al motivo della rotazione e moto dei pianeti, al movimento del cosmo – fino a una ipotesi più recente con Segreto cosmico dove il cosmo inventato, immaginato attraverso l’elaborazione e trasfigurazione degli elementi della vita, si configura con la profondità del video-ritratto su una sagoma a cuspide dipinta direttamente sulla parete, accompagnata da segni astratti tracciati con molliche di pane, non più fotografate ma presentate nella loro plasticità oggettiva.

Le atmosfere chiaroscurali, dal 1976 al 2018, nel passaggio tra un’opera e l’atra, si accentuano, e la composizione degli elementi (foto, scultura, video, intervento su parete) acquista la valenza di un tempo in divenire. Un continuo movimento irrisolto, come appunto la vita cosmica: un rituale dell’essere e del divenire. La mostra, concepita da Michele Zaza per la Galleria De Foscherari, crea un dialogo tra momenti diversi, da cui emergono alcune questioni centrali del percorso dell’artista, il suo pensiero e la sua poetica.

Il titolo della recente video-installazione allestita negli spazi della galleria dà il titolo alla mostra, esempio di simbiosi e osmosi tra arte e vita, astrazione ed esperienza, materia e spirito, spazio di un nuovo e diverso universo, mentale e immaginifico. Il legame tra maschile e femminile dei due volti in una dimensione totale, le forme scultoree in legno, il movimento delle mani nel video, il motivo del blu oltremare, disegnano un paesaggio cosmico, etereo e sognante.

SOPHIE KO - GIOVEDI 10 OTTOBRE ORE 12.00 - CA' PESARO - VENEZIA

SOPHIE KO - ART VERONA LEVEL 0

OPENING GIOVEDÌ 10 OTTOBRE ORE 12 - CA' PESARO - VENEZIA

DAL 10 OTTOBRE AL 15 DICEMBRE 2019

Le geografie temporali di Sophie Ko, artista georgiana nata a Tbilisi nel 1981 e residente a Milano, si presentano come scatole bidimensionali in cui è compressa la materia, il pigmento puro utilizzato in cromie diverse, dal verde al rosa, all’azzurro, fino al nero intenso, squarciato talvolta da inserti di rosso e blu elettrico.

Durante la visita ad Art Verona nell’ottobre 2018 le opere di Sophie Ko hanno catturato la mia attenzione non solo per la forza che sprigionano, originata da una materia compressa e mutevole, ma soprattutto per la loro relazione con il concetto di tempo. Alcuni lavori sembravano sezioni di stratificazioni terrestri o lunari, appartenenti a epoche geologiche diverse, in altri si percepiva il passaggio lento del tempo, attraverso una clessidra che filtrava le ore, i giorni e con questi la nostra stessa memoria.

In tutte le opere di Sophie Ko non c’è solo un tempo intimo, individuale, ma anche il tempo della Storia: i pigmenti in polvere sono in alcuni casi la cenere prodotta dalla distruzione di immagini di opere dei maestri antichi, in altri casi reperti naturali che provengono dal mondo che attraversiamo e che resterà, cenere che ritorna cenere, anche dopo il nostro passaggio.

Nelle opere di Sophie Ko, Storia, memoria e passato si legano a doppio nodo con il tempo presente e il continuo scorrere delle cose: il colore si muove e si sposta, l’opera si trasforma seguendo una casualità fisica, carica di magia, non restando mai uguale a se stessa. I tagli prospettici e le cadute del pigmento, i distacchi accidentali e gli infiniti modi in cui la materia si organizza, rendono quella di Sophie Ko un’opera da godere e vivere con tempi lunghi e da seguire, a più riprese, nel corso della sua perpetua mutazione.

Da queste riflessioni è nato, con il progetto di Art Verona Level 0, l’invito all’artista a proporre un’opera per Ca’ Pesaro- Galleria internazionale d’Arte Moderna di Venezia. Sophie Ko ha potuto conoscere da vicino il maestoso palazzo longheniano sul Canal Grande, ne ha conosciuta la storia, le vicende e le caratteristiche attuali, stabilendo un contatto immediato con le collezioni del Museo. Ed ecco che la magia della materia le ha suggerito il confronto, il dialogo, la vicinanza all’opera di uno dei maestri della scultura moderna, Auguste Rodin.

Rodin partecipò alla Biennale di Venezia due volte, entrambe magnificamente documentate dalle opere conservate nelle collezioni del Museo: la prima volta, nel 1901, alla IV edizione della rassegna lagunare, dove il Comune di Venezia acquistò per l’erigenda Galleria d’Arte Moderna la monumentale versione di gesso de I borghesi di Calais, 1899; la seconda volta, nel 1907, occasione in cui il Sindaco di Venezia, il conte Filippo Grimani, donò a Ca’ Pesaro lo straordinario Pensatore di gesso patinato, realizzato dal maestro francese tra il 1880 e il 1904. Le opere di scultura furono all’origine della storia della Galleria e Rodin ne sancì il glorioso avvio.

Come l’uomo senza tempo si accascia pensoso sul corpo massiccio, nudo e virile, al contempo tagliato da brani di luce radente e impietosa, così la cenere e il pigmento di Sophie Ko "implodono", si accasciano, si consumano. Sophie Ko sente una forte affinità tra le geografie temporali e l’uomo senza tempo rappresentato dal Pensatore. Il capolavoro di Rodin è un’immagine eterna di un essere umano che si guarda, riflette dentro se stesso, a metà tra ricordo di ciò che è stato, inquietudine del presente e ansia del futuro. Una grande malinconia pervade il dialogo tra l’artista contemporeanea e il maestro della scultura moderna. Per Sophie Ko, il Pensatore non è solo simbolo dell’eternità, ma è anche immagine di un uomo che ha finito il tempo a disposizione, un uomo che, mentre osserva da vicino il proprio passato, capisce che la Storia è già trascorsa, che tutto è già andato e forse lui non se n’è nemmeno accorto.

Elisabetta Barisoni

Responsabile di Ca’ Pesaro- Galleria Internazionale d’Arte Moderna -Fondazione Musei Civici di Venezia

MARIO AIRO - IL PIPISTRELLO BIANCO

MARIO AIRO' -  IL PIPISTRELLO BIANCO

INAUGURAZIONE SABATO 5 OTTOBRE ORE 18

DAL 5 OTTOBRE AL 7 DICEMBRE 2019 

Il pipistrello bianco

Il titolo della mostra si riferisce ad una pubblicazione in cui l’autrice, con l’ausilio di anziani e giovani dongba (persone che officiano i riti, sciamani), traduce un libro rituale della tradizione Naxi, scritto nell’ultima lingua pittografica rimasta attiva ai giorni nostri. È una lettura estremamente affascinante e interessante: il racconto ha una grande potenza immaginifica e le figure mitiche che lo animano sono molto distanti dal nostro mondo mitologico e incarnano spinte spiritualestistenziali nate in un contesto molto molto diverso dal nostro brodo mediterraneo, in una terra appena al disotto delle grandi montagne himalaiane.Mi dispiace dover dire che i lavori in mostra non cercano di essere attinenti a questo ricchissimo universo simbolico, né cercano di illustrarlo: solo sognano un’armonia affine e cercano di accordarla allo spazio che li circonda e alla nostra cultura che più che in decadenza sembra entrata in un accelerato volo a vite.Le immagini guida che mi hanno condotto a ciò che troverete in mostra sono state, oltre ai pittogrammi naxi, la visione, in un documentario, del monte Kailash - una delle figure più portentose che mi sia capitato di incontrare, una di quelle che ti fa comprendere appieno la potenza apotropaica dell’immagine per l’uomo ( e non è casuale infatti che per tre grandi religioni sia il posto di congiunzione, di connessione delle energie tra terra e cielo, tra divino e umano) - e gli spettri di assorbimento degli elementi chimici, specialmente gli intervalli tra le loro bande di frequenza, veri accordi luminosi. Che altro dire?, a voler essere rigorosi non bisognerebbe aggiungere più nulla: da qui in poi si entra in un territorio altro, nel reame dove a parlare sono le immagini e le forme tra di loro.E bisogna seguire loro e come si muovono, come si connettono, si chiamano e richiamano tra loro, su linee di affinità e empatia; osservare come macinano e rimacinano la lingua madre, quella che darà loro sembianza forma senso e status simbolico, che darà loro apparenza e che donerà loro quell’incredibile potere di risonanza che riverberando farà ballare le nostre esangui sinapsi. I lavori per fortuna sono e restano elusivi, sprezzantemente orgogliosi nella loro ermetica, annoiati dalle reiterate richieste di spiega. Ma in fondo il contenuto non è così importante, o meglio, il contenuto è sensibile, è quel sensibile che è subito idea, che hai incontrato e immediatamente come una termica improvvisa ti ha avvitato al cielo.

Mario Airò

EVA MARISALDI AT THE ESTORICK COLLECTION OF MODERN ITALIAN ART LONDON - TUESDAY 30 APRIL 2019

Opening Martedi 30 Aprile 2019 ore 18.00

dal 1 Maggio al 23 Giugno 2019

A cura di Pier Paolo Pancotto

Un progetto speciale

Un vero e proprio flusso di coscienza alimenta da oltre tre decenni l’azione creativa di Eva Marisaldi (Bologna, 1966) da quando cioè, allo scadere degli anni Ottanta del 900, completati gli studi all’Accademia di Belle Arti di Bologna, ha compiuto il suo esordio sulla scena espositiva internazionale. Da subito è apparsa chiara la sua attitudine all’osservazione del mondo e all’ascolto di ogni aspetto, ogni frammento, ogni dettaglio della realtà e la sua capacità di tradurre tale facoltà in composizioni visive libere dagli schemi precostituiti e difficili da catalogare secondo le norme tradizionali. Esse, infatti, sono il risultato di una tecnica operativa che si esplicita nella libera rappresentazione dei pensieri cì come compaiono nella mente dell’autrice e, senza essere organizzati in soluzioni convenzionali, simili a dei monologhi interiori, si animano di vita propria fino allo sviluppo finale. Lo spettatore è introdotto a seguirne il ritmo e a prenderne parte secondo i propri mezzi, assumendo nei loro confronti un ruolo attivo e partecipativo tipico delle dinamiche relazionali. Partendo dal presupposto che essere artista non significa asserire concetti ma riflettere e analizzare ciò che ci circonda, Eva Marisaldi rivolge la propria attenzione soprattutto alla sfera privata dell’individuo ed alla sua quotidianità, alla realtà sociale e all’ambiente che gli è attorno dando luogo a delle micro-narrazioni ove le analogie e i contrasti hanno la meglio sulla linearità del racconto e gli slittamenti logici e le contrapposizioni intellettuali sul suo impianto logico. Si fa così rapido il passaggio dalla cronaca alla fantasia e continuo è l’approdo a mondi paralleli sempre segnato, tuttavia, da una forte impronta personale originata dalla contemplazione che l’artista conduce sull’esistenza. In tal senso il suo lavoro, pur trattando temi universali, è profondamente autobiografico perché nasce dai cognitivi legati alla propria esperienza ed ai tanti aspetti che la alimentano giorno per giorno: un incontro, un viaggio, la lettura di un libro, la visione di un film, l’ascolto di un brano musicale, l’osservazione di un fenomeno naturale, l’analisi di un fatto accaduto…. Con sorprendente disinvoltura, Marisaldi sintetizza questa realtà complessa, facendo apparire semplice ciò che per propria natura è articolato e riassumendo i risultati della propria indagine in scarni elementi visivi, sonori, letterari, tanto densi sul piano semantico quanto dotati di raffinata modestia su quello espressivo.Il tema o il soggetto in esame non viene mai interpretato dall’artista in soluzione “letterale” ma, piuttosto, seguendo un percorso imprevedibile, mobili, fluide, aperte, indefinite di cui è certo solo il presupposto di partenza e non l’esito finale. Anche nell’eventualità in cui tali riflessioni traggano origine da fonti storiche o da altri soggetti dai profili ben definiti sotto l’aspetto cronologico e culturale Marisaldi mantiene fede allo stesso atteggiamento. In tal caso i suoi lavori (adottando un’espressione ricorrente in ambito cinematografico, da lei piuttosto apprezzato), appaiono “liberamente tratti” dalle ragioni del proprio interesse, reinterpretandole spontaneamente e fuori dagli schemi. In sintesi, sono delle pure invenzioni, cla mostra a Londra ben testimonia.

In occasione della sua prima personale presso una pubblica istituzione in Gran Bretagna, l’artista ha concepito una serie di lavori (alcuni dei quali realizzati in collaborazione con Enrico Serotti)ispirati al Futurismo, ponendosi in dialogo con le eccezionali testimonianze di questo movimento presenti alla Estorick Collection. I lavori, seguendo una consuetudine tipica dell’autrice, si esplicitano secondo un’articolata varietà di sistemi linguistici in grado di introdurre lo spettatore in una esperienza multisensoriale. Essi riflettono su alcuni aspetti dell’avanguardia in questione, in particolare le sperimentazioni condotte da Fortunato Depero e Ivo Pannaggi.

Traendo spunto dal primo, autore di un bozzetto per Guanti plastici umoristi(1916),ha realizzato Three lines on Depero # 1-3 (2019), tre guanti che, ricoperti da sonagli, campanellini o shakers ed azionati da un dispositivo hardware - software posto alla loro base, risuonano nello spazio. I movimenti che compiono e le conseguenze acustiche che ne derivano costituiscono una personale interpretazione di Marisaldi degli appunti tracciati da Depero (sulla carta si legge: “guanti plastici – umoristi / ragguanto / dita astratte / consistenti / mobili / tela / guantolungo / ragguanto”) e, a loro modo, fanno eco agli studi musicali al centro della ricerca di molti interpreti del Futurismo, come testimoniano tra l’altro, le opere di Balla (La mano del violinista, 1912) e di Russolo (Musica, 1911) in collezione.

Il progetto di una “Sala per Radioaudizioni” per Casa Zampini a Esanatoglia (1925-26) di Pannaggi, , è all’origine di Radia(2019) una sorta di maquette suddivisa in quattro piccole stanze per l'ascolto della radio ciascuna delle quali è provvista di una seduta, luci e sonoro attraverso cui si diffonde un recitato dell’autrice incentrato sui temi dell’espressione verbale e del linguaggio. Il volume del camino, all’interno del quale è collocata la composizione, prende le vesti di un palcoscenico immaginario le cui pareti, chiuse ai lati ed aperte solo frontalmente, funzionano da cassa acustica, in grado di amplificare i versi pronunciati dalla voce recitante. Come nel caso di Three lines on Depero # 1-3il suono si diffonde tra gli ambienti della Estorick coinvolgendoli virtualmente in un’unica, grande installazione inafferrabile sotto l’aspetto visivo ma altamente percepibile sotto quello sonoro.

Le cronache di guerra di John Steinbeck pubblicate nel 1943 sul “New York Herald Tribune”, che descrivono l'arrivo dei soldati americani a Ventotene e il loro incontro con i confinati politici e, più in generale, il contesto storico e sociale che ha fatto da sfondo alle ultime fasi del Futurismo sono invece alla base di Senza titolo(2019). Esso consiste in un pigiama rosa composto di vari pezzi di stoffa dello stesso colore (rosa era, infatti, il pigiama indossato da uno dei detenuti che i militari trovano al loro arrivo, “un vecchio alto e coi capelli grigi.(…) Per qualche strano motivo”, annota Steinbeck “non sembrava ridicolo con quel pigiama rosa. Aveva una grande dignità, sufficiente a compensare la sua tenuta”) che si estendono nello spazio. Una porzione di tessuto è ricoperta da un ricamo raffigurante Landscape (The Chimney of the Arsenal on the Outskirts of Bologna) (1921), un’acquaforte di Giorgio Morandi appartenente alla Estorick Collection i cui toni sobri ed essenziali sembrano evocare, a loro modo, il doloroso paesaggio descritto da Steinbeck. Ancora una volta l’azione di Eva Marisaldi mira a restituire autonomamente e fuori dagli schemi una condizione sensitiva, un’impressione emotiva originata da una suggestione che l’artista ha percepito e metabolizzato, piuttosto che rispondere didascalicamente ad essa. Ed è così che riesce a coglierne l’essenza più profonda, viva, attuale piuttosto che il significato convenzionale che le viene abitualmente associato. In tal senso, il progetto concepito per la Estorick collection, assume un valore del tutto speciale poiché costituisce una prova concreta delle modalità tecniche ed intellettuali attraverso cui, dalle origini ad oggi, si sviluppa la poetica dell’autrice. Non poteva esservi circostanza migliore di questa -il confronto con una collezione storica ospitata da una pubblica istituzione- per farlo e confermarne la consolidata coerenza.

Pier Paolo Pancotto

IL NUOVO CINEMA DEGLI ANNI SESSANTA

IL NUOVO CINEMA DEGLI ANNI SESSANTA

Il prossimo 2 maggio alle ore 20 si inaugurerà al cinema Lumière una nuova rassegna, promossa e organizzata, come sempre, dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria de’ Foscherari, che offrirà un ampio panorama del nuovo cinema prodotto nel mondo fra la fine degli anni cinquanta e tutti i sessanta. La manifestazione, aperta dal film del regista John Cassavetes, uno dei più celebri esponenti del New American Cinema, Ombre (Shadows, 1958), proseguirà presso la Galleria tutti i martedì a partire dal 7 maggio, alle ore 17,30, con la proiezione di un’altra opera straordinaria, Dio nero e diavolo biondo, del brasiliano Glauber Rocha, caposcuola del Cinema Novo del suo paese.

Prima di dare il programma completo dei sette eventi che costituiscono l’iniziativa, ricordiamo che Galleria e Cineteca, oltre alle recenti video rassegne, hanno già esplorato, dopo le avanguardie storiche, le nuove avanguardie cinematografiche degli anni sessanta e hanno inteso, con quest’ultima impresa, completare nella misura del possibile, il quadro di questo particolare periodo. Molti film innovativi, assieme a quelli più radicalmente avanguardistici, sono già stati presentati ai nostri spettatori nel corso degli ultimi anni, ma ne sono rimasti esclusi, per molte e comprensibili ragioni, alcuni che sono parsi agli organizzatori veramente imperdibili.

Il nuovo cinema degli anni sessanta, un fenomeno epocale che ha coinvolto i più diversi paesi, ci ha offerto opere indimenticabili prodotte in America latina, Giappone, ma anche Europa, presente con il film tedesco di decisiva importanza storica Artisti sotto la tenda del circo: perplessi e con I pugni in tasca, di Marco Bellocchio, certamente uno dei maggiori registi italiani, che anticipò con il suo primo lungometraggio l’eversione del sessantotto.

Abbiamo accennato al Giappone, la cinematografia di questo paese è, infatti, rappresentata da L’impiccagione, un’opera, che è assai raro poter vedere, dovuta a Nagisa Oshima, il regista più noto nel mondo, assieme ai maestri degli anni cinquanta, dell’intera cinematografia nipponica.

In quanto all’America latina, oltre il Brasile, si affaccia al nostro schermo la Cuba rivoluzionaria con Memorie del sottosviluppo, film estremamente significativo, accompagnato da un cinegiornale del grande Santiago Alvarez. Infine, restando in quell’area geopolitica, la cinematografia argentina con una delle sue opere simbolo, L’ora dei forni, dovuta alla collaborazione del famosissimo Fernando Solanas con Octavio Getino, che costituirà un evento particolare perché finalmente proiettata nella sua versione integrale.

PROGRAMMA COPLETO DELLE PROIEZIONI

• OMBRE (SHADOWS,1958)

di John Cassavetes, Cinema Lumière, giovedì 2 maggio, ore 20.00

• DIO NERO E DIAVOLO BIONDO (DEUS E O DIABLO NA TERRA DO SOL, 1964)

di Glauber Rocha. Galleria de’ Foscherari, martedì 7 maggio, ore 17,30

• I PUGNI IN TASCA (1965)

di Marco Bellocchio. Galleria de’ Foscherari, martedì 14 maggio, ore 17,30

• L’IMPICCAGIONE (KOSHIKEI, 1968)

di Nagisa Oshima. Galleria de’ Foscherari, martedì 21 maggio, ore 17,30

• MEMORIE DEL SOTTOSVILUPPO (MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO, 1968)

di Tomás Gutiérrez Alea. Seguito da un cinegiornale di Santiago Alvarez.

Galleria de’ Foscherari, martedì 28 maggio, ore 17,30

• ARTISTI SOTTO LA TENDA DEL CIRCO: PERPLESSI (DIE ARTISTEN IN DER ZIRKUSKUPPEL: RATLOS, 1968)

di Alexander Kluge. Galleria de’ Foscherari, martedì 4 giugno, ore 17,30

• L’ORA DEI FORNI (LA HORA DE LOS HORNOS, 1968)

di O. Getinos e F. Solanas. Galleria de’ Foscherari, martedì 11 giugno, ore 17,30

Tutti i film programmati sono in versione originale con sottotitoli italiani.

VAJIKO CHACHKHIANI - FILM SCREENING

In occasione di Arte Fiera 2019 dal 1 al 3 Febbraio proiezione dei film dell’artista :

WINTER WHICH WAS NOT THERE, 2017 -HD VIDEO PROJECTION, 10:41 MIN

Winter wich was not there può essere visto come metafora della liberazione di un individuo dalla sua storia personale . Nel film, un uomo osserva una monumentale scultura in cemento venire issata fuori dal mare. La scultura ricorda il classico monumento raffigurante un eroe o un letterato, ma in una strana e in qualche modo sconcertante maniera, il volto e la figura della scultura sembrano sorprendentemente simili a quella dell' uomo che la osserva emergere dal mare. Ne risulta una bizzarra narrazione che pone domande tipicamente sollevate dal lavoro di Chachkhiani. Come possiamo comprendere e descrivere la relazione tra le circostanze storiche e politiche e il loro effetto sullo sviluppo psicologico di un individuo? In che modo la sfera pubblica e privata interferisce e influenza la nostra coscienza? Cosa intendiamo quando diciamo "io"?

COTTON CANDY, 2018 - HD VIDEO PROJECTION, 13:42 MIN

Il film è incentrato sul conflitto interiore di una donna, che ripercorre tutta la sua vita, mentre, assieme alla nipote, assiste ad uno spettacolo circense. Durante l’esibizione, inizia, forse per la prima volta, ad ascoltare se stessa. Questo dialogo interiore la porterà a generare un conflitto, che potrebbe esplodere o rimanere interno, ma che in ogni caso la condurrà a vivere un rito di passaggio, e lo zucchero filato , che cade alla fine, potrebbe suggerire la liberazione da qualcosa che dentro di sé l'opprimeva.

HEAVY METAL HONEY, 2018 - HD VIDEO PROJECTION, 14:14 MINUTES

Il film si presenta come metafora della storia e del miele - dolce ma viscoso - e come allegoria delle strutture familiari interne. La storia globale e quella individuale si intrecciano, e sono indissolubilmente legate. Ed è solo il momento dell’azione, che può capovolgere storie e racconti, cambiando così il corso della narrazione.

INFO E ORARI

Venerdi 1 febbraio : 11.00 - 20.00

Sabato 2 febbraio : 11.00 - 24.00

Domenica 3 febbraio : 12.00 - 19.00

OFV STUDIO - Via Donato Ctreti 69/2e - Bologna

ALBARRAN CABRERA - L'INDISTRUTTIBILE - OPENING ON SATURDAY, OCTOBER 6

Angel Albarrán (Barcellona, 1969) e Anna Cabrera (Siviglia, 1969), fotografi spagnoli di grande talento, espongono per la prima volta in Italia. Presente da diverse stagioni sulla scena principale della fotografia mondiale, il loro lavoro, con il passare degli anni, ha assunto sempre più un carattere pittorico in cui si fondono, in equilibrio perfetto, elementi della cultura fotografica giapponese e luci, colori e atmosfere della grande pittura spagnola. I risultati delle loro stampe sono sorprendenti per qualità e complessità. L’utilizzo di una foglia d’oro, posta sotto la carta su cui è impressionata l’immagine, rende la luce delle fotografie misteriosa e profonda, facendo riverberare sotto l’immagine uno spettro luminoso enigmatico. Tanto nelle fotografie a colori quanto in quelle in bianco e nero si ha l’impressione di assistere alla genesi di qualcosa di primordiale, al nascere stesso di un’immagine. Un’immagine che testimonia di una realtà più profonda, di un “indistruttibile” - secondo la definizione individuata, sulla scia di Kafka, dal curatore della mostra Federico Ferrari – in cui il mondo appare sotto un’altra luce, immobile e cangiante. Ed è proprio alla quête di questo fondo indistruttibile che l’effimero scatto fotografico si pone alla ricerca, cercando di darne testimonianza proprio là dove esso pare essere sempre sul punto di svanire.

Le quasi venti opere di questa mostra si configurano come un percorso capace di ricostruire l’eterogeneo e, allo stesso tempo, estremamente coerente percorso di Albarrán Cabrera nel corso degli ultimi anni, lasciando anche spazio ad alcune fotografie mai esposte prima d’ora. Accompagna la mostra un testo programmatico di Federico Ferrari dall’omonimo titolo “L’indistruttibile”.

MARIO CEROLI - LA GRANDE OCCASIONE - GIOVEDI 7 GIUGNO ORE 18

DAL 7 GIUGNO AL 7 OTTOBRE 2018

COLLOQUIO CON MARIO CEROLI

La grande occasione è il titolo che Mario Ceroli, durante un appassionato colloquio, ha proposto per questa sua personale, la decima allestita nella Galleria de’ Foscherari. Sono passati cinquant’anni dalla prima, la celebre Aria di Daria, realizzata in quell’anno memorabile che è stato il 1968, ma Ceroli ha mantenuti intatti il suo entusiasmo per l’operare artistico e la sua voglia di modificare il mondo. Parla, infatti, della sua grande occasione, a ottant’anni allegramente compiuti, di rileggere la straordinaria opera realizzata finora e continuarla in forme tanto affascinanti quanto inaspettate. Al vederle ci è balzata alla mente l’acutissima presentazione che dell’Aria di Daria fece l’indimenticabile Pietro Bonfiglioli, il quale, citando Nietzsche, definì il procedere dell’artista nell’esecuzione della sua opera una “gaia scienza”, cioè “l’arte di utilizzare un patrimonio di cultura individuale e sociale per modellare il mondo dell’uomo in armonia con i suoi istinti vitali; . . . un’arte orgogliosa, in lotta contro tutte le pulsioni di morte.” Ma torniamo alla nostra conversazione. Una grande occasione, ha aggiunto Pasquale Ribuffo, che era presente, anche per la Galleria, che può esibire alcune delle opere più significative fra quelle che l’artista ha recentemente realizzato con l’entusiasmo di sempre. Una grande occasione, voglio aggiungere io, per il pubblico e la critica che assistono in anteprima alla conclusione, provvisoria ovviamente, dell’attività di uno dei maggiori artisti italiani viventi.

A questo proposito, ricordo che la presentazione del catalogo con cui la de’ Foscherari ha accompagnato la mostra dedicata a Ceroli nel 2012 (Mario Ceroli 1962-1968) si concludeva chiedendo se l’artista dovesse ormai essere considerato alla stregua dei classici, oppure se la sua opera non si fosse ancora riconciliata con le Muse e mantenesse un potenziale innovatore tale da poter innescare inediti processi sperimentali. Ecco, allora, un’altra occasione, che mi auguro grande anch’essa, consistente nel tentare una risposta a quel quesito di fronte a questa esposizione, certamente innovativa tanto che, a prima vista, sembra segnare uno stacco netto rispetto al mondo sostituita da un suo equivalente in grezzo pino di Russia, con il quale finora, nel nostro immaginario, Ceroli si è in larga misura identificato.

In realtà, se concentriamo la nostra attenzione sulle opere esposte, vediamo i fili sottili, ma estremamente resistenti, che le uniscono allo sterminato catalogo di sculture lignee raccolte nei principali musei e luoghi deputati di tutto il mondo. Non dobbiamo, infatti, fermarci al dato che più immediatamente ci colpisce e cioè che al posto dei volumi matericamente prorompenti scanditi dalle sculture abbiamo grandi superfici di tela segnate da pastelli a olio, ma seguire con sensibilità critica le evoluzioni delle matasse colorate per capire da dove vengono ed avere così la possibilità di intendere dove le condurrà il loro dipanarsi

Proviamo ad osservare un’opera come Erotismo pompeiano (il rosso pompeiano è uno dei colori cari a Ceroli), ma anche Eco di un bacio e Io, la terra e la luna. Ecco che ci appaiono chiaramente, sulla scorta delle parentesi tonde e graffa, le analogie con le grandi lettere alfabetiche che l’artista tagliava nel legno fin dai suoi esordi. Può sembrare un’osservazione superficiale , ma non perdiamoci d’animo e passiamo a Onde gravitazionali oppure a La nuova coppia o, ancora, a Figura di donna, tutte ottenute manualmente impugnando i pastelli a mazzo. Risulta evidente che alla base del tutto c’è una sezione d’albero i cui cerchi concentrici subiscono torsioni e si avviluppano fino ad alludere a vere e proprie figure. Ma se anche questa lettura non risulta convincente svelerò , tanto non è un segreto, che nella casa romana di Ceroli c’è un tavolo costituito dalla sezione di una sequoia millenaria. Ora sarà agevole vedere le linee della vita di quell’albero animate e colorate dall’artista che le ha fissate sulla tela per ricordarci che all’origine del suo operare c’è l’albero con la sua vitalità naturale.

La lotta di Ceroli “contro tutte le pulsioni di morte” continua orgogliosa spostando il campo di battaglia sulla superficie, ma ricordando sempre da dove sgorga lo “ spirto guerrier”. Sappiamo bene che l’artista ha prodotto nel 1970 una delle sue opere più celebri, L’albero della vita, e sappiamo anche che l’albero non è soltanto un simbolo biblico, ma un ineludibile punto di riferimento in tutte le culture. Arrivati all’albero, alla radice prima dell’’attività di un artista che affronta la rilettura del suo passato con baldanza giovanile, lascio agli spettatori e agli storici dell’arte il compito di risalire fino alle grandi tele per svelarne il contenuto più profondo. Io aggiungo solo che credo di aver capito ciò che Ceroli intende più precisamente quando parla della sua grande occasione: andare con altri mezzi, all’apparenza più tradizionali, alla radice del suo operare per scoprire che essa è anche l’origine della vita.

Siamo al punto sul quale si è concluso il nostro colloquio ed esattamente con l’asserzione dell’artista che la vita è la grande occasione offerta a tutti noi. Ora la questione si amplia, a mio vedere, fino a toccare la metafisica, terreno sul quale mi muovo con grande difficoltà. Posso dire però che “il falegname del mondo” continua, armato di pastelli, a lottare sulla tela Per la vita contro la morte, per citare un altro critico del moderno, l’americano Norman Brown.

Bologna, 1 giugno 2018

Vittorio Boarini

LIVE ARTS WEEK VII - SABATO 21 APRILE ORE 18.00 - LILIANA MORO - BUONGIORNO - PERFORMANCE

SABATO 21 APRILE ORE 18

Liliana Moro 

Buongiorno

Performance

Ciao, Buongiorno, Bene grazie, Cosa c’è di nuovo?, Vieni qui, Quando torni?,

Buonasera, A presto, Dove vai?, Arrivederci……..Buongiorno vuol dire veramente Buongiorno?

Il giorno 21 aprile alle ore 18.00 un’azione a sorpresa accadrà nell’ingresso della Galleria de’ Foscherari in via Castiglione 2B.  

Liliana Moro, artista visiva milanese, si diploma all’Accademia di Belle Arti di Brera con Luciano Fabro. Di fronte alle sue opere si ha la percezione che sia presente solo ciò che è strettamente necessario. Suono, parole, video, sculture, oggetti e performance compongono un mondo che 'mette in scena' una realtà allo stesso tempo cruda e poetica. Liliana Moro è da sempre impegnata a riflettere, attraverso elaborazioni visive composte e rigorose, realizzate con oggetti d'uso comune o industriale, il tema della fragilità e della ricerca di un equilibrio. Ha esposto in importanti mostre collettive quali: Documenta IX, Kassel (1992), Aperto XLV Biennale di Venezia (1993), Castello di Rivoli, Torino (1994), Moderna Museet, Stoccolma (1998), PS1 New York (1999), De Appel, Amsterdam (1999), MAMbo, Bologna (2011), MART Rovereto (2012), MAXXI, Roma (2016), e ha tenuto diverse mostre personali: Galleria Emi Fontana, Milano; MUHKA Anversa (1996); Fondazione Ambrosetti Palazzolo Brescia (2004), Istituto Italiano di Cultura, Los Angeles (2007), Fabbrica del Vapore, Milano (2008), Fondazione Ratti, Como (2012), galleria Francesco Pantaleone Palermo/Milano.

LILIANA MORO - UNDERFLOW - SABATO 24 MARZO ORE 18

LILIANA MORO  “UNDERFLOW” - SABATO 24 MARZO 2018 ORE 18.00

La galleria de'Foscherari è lieta di annunciare la mostra di Liliana Moro dal titolo Underflow, che inaugurerà Sabato  24 Marzo alle ore 18. 

La mostra, la prima personale di Liliana Moro nella città di Bologna, presenta opere inedite realizzate con materiali e media diversi, che vivranno attraverso lo spazio, la presenza umana ed il continuo mutare delle condizioni esterne.

Underflow (flusso sotterraneo) allude ad un pensiero che attraversa lo spazio, tra sabbia di fiume, acqua, terracotta forme e disegni. Si riferisce alla Terra, alla Natura, al nostro passaggio o meglio alla vibrazione del nostro passo che modifica la percezione dello spazio nel bene o nel male. 

Sabato 21 Aprile alle ore 18.00 avrà luogo, sempre presso la galleria de'Foscherari la performance "Buongiorno" realizzata in collaborazione con Live Arts Week ed inclusa nel programma del festival.

PIER PAOLO CALZOLARI - EXHIBITION WHITE CUBE MASON'S YARD, LONDON

The Fondazione Calzolari is pleased to announce the first major exhibition of works by Pier Paolo Calzolari in the UK at White Cube Gallery Mason's Yard.
Featuring works drawn from across the artist's extensive career it will include several major installations from the late 1960s until the late 2000s.

White Cube Mason’s Yard - London

Preview: Tuesday 20th March, 6-8pm
21st March – 5th May 2018

IL DISSENSO SOVIETICO, IL NUOVO CINEMA DELL’ EUROPA ORIENTALE E LA VIDEOARTE RUSSA

Questo il titolo scelto dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria de’Foscherari per riprendere, in occasione di Arte Fiera , il discorso iniziato da tempo sulle neoavanguardie cinematografiche e la videoarte degli anni settanta e ottanta. Su questo tema sono state esplorate le cinematografie sperimentali e l’arte elettronica dell’Europa occidentale (il muro di Berlino che divideva in due l’Europa è caduto nel 1989) e gli Stati uniti. Nulla è stato detto finora di quanto avveniva nello stesso periodo, cioè fra gli anni cinquanta e i novanta, nell’Unione sovietica e nell’Europa dell’est, nelle cosiddette democrazie popolari. Proprio le cinematografie di questi paesi saranno le protagoniste della nuova rassegna, la quale , analogamente alle precedenti, tenta di collegare il cinema d’avanguardia con la videoarte, ipotizzando che quest’ultima sia il tentativo di andare al di là del cinema usando un nuovo linguaggio, il linguaggio elettronico, appunto.

Questa nuova impresa, gli organizzatori non se lo nascondono, non è priva di rischi perché le differenze con quanto abbiamo mostrato finora sono almeno pari alle analogie. In primo luogo nell’Unione sovietica, patria privilegiata delle avanguardie storiche, come si può vedere dalle preziose rassegne ad esse dedicate attualmente in corso al Lumière, non esiste una neoavanguardia paragonabile alla Nouvelle vague o all’Underground americano, ma soltanto il risvolto cinematografico di quella che va sotto il nome di cultura del dissenso. Si intende, ovviamente, dissenso dalla cultura di regime, cioè, per quanto riguarda l’ arte e la letteratura, da quel realismo socialista imposto dallo stalinismo e protrattosi fino al crollo del blocco sovietico.

La rassegna inizia proprio con il dissenso sovietico presentando, al cinema Lumière, lunedì 5 febbraio alle ore 20, Il rullo compressore e il violino (1960), di Andrej Tarkovskij, e Il colore del melograno (1969), di Sergej Paradzanov, cioè significative opere di due dei maggiori protagonisti del dissenso in ambito cinematografico. Va detto subito, anche se con qualche approssimazione, che i dissidenti contestano il linguaggio cinematografico imposto dal regime e, quindi, possono considerarsi d’avanguardia in quanto il cinema di regime tendeva a essere tutto il cinema possibile, ma non nello stesso senso dell’avanguardia occidentale che metteva in discussione il cinema in quanto tale.

Diverso è il Nuovo cinema dell’Europa orientale, in particolare della Polonia, Cecoslovacchia e Ungheria, le cui cinematografie sono state scelte come le più rappresentative. In queste democrazie popolari, infatti, i registi più coraggiosi si impegnano a produrre opere che nella critica al realismo socialista si avvicinano per molti versi alla neoavanguardia internazionale, fino al caso dell’ungherese Miklós Jancsó, che può considerarsi a tutti gli effetti un esponente della neoavanguardia cinematografica mondiale. Queste tre cinematografie verranno rappresentate alla galleria de’ Foscherari, a partire da mercoledì 14 febbraio, alle ore 18, con il primo lungometraggio di Roman Polanski, Il coltello nell’acqua, girato nel 1960, poco prima che l’autore lasciasse definitivamente la Polonia per entrare da protagonista nella storia del cinema. A questo geniale film seguirà, mercoledì 21, Gli amori di una bionda, realizzato nel 1965 da Milos Forman, il principale rappresentante della Nuova ondata cecoslovacca, il quale pure lascerà, di lì a poco, il proprio paese per divenire un autore di fama internazionale a Hollywood. Concluderà la parte cinematografica (mercoledì 28) L’armata a cavallo, secondo lungometraggio di M. Jancsó, un autore che non abbandonerà il proprio paese, anche se si concederà lunghi soggiorni in Italia, dove girerà alcune opere divenute famose.

Infine, l’elemento di maggior novità della rassegna: si terranno, sempre alla de’ Foscherari, due programmi di videoarte russa (il 7 e il 14 marzo) comprendenti più di quaranta opere prodotte fra gli anni novanta e il 2001, quasi tutte inedite in Italia (alcune sono state viste l’anno scorso in una rassegna tenuta a Pesaro). Qui dobbiamo sottolineare, a proposito delle differenze rispetto alle rassegne precedenti, che la videoarte presentata finora era tutta compresa fra il 1970 e il 1990, mentre quella russa inizia, per una serie di ragioni che analizzeremo in seguito, solo dopo la scomparsa di quella che si chiamava la cortina di ferro. Nonostante questa sfasatura di vent’anni, si è considerato ugualmente appropriato presentare l’arte elettronica come un prolungamento del cinema del dissenso. Si tratta certamente di un azzardo perché la fondatezza di questa tesi la verificheremo con il pubblico durante la rassegna, ma in materia di avanguardie l’azzardo è la regola.

L’excursus sull’Unione sovietica e le democrazie popolari proseguirà, sempre alla de’ Foscherari e sempre alle ore 18, secondo il seguente calendario.

Mercoledi 14 febbraio ore 18.00

Il coltello nell’acqua, il primo lungometraggio girato da Roman Polanski, l’unico da lui realizzato in Polonia nel 1960.Il coltello nell’acqua, il primo lungometraggio girato da Roman Polanski, l’unico da lui realizzato in Polonia nel 1960.

Mercoledi 21 febbraio  ore 18.00

li amori di una bionda, 1965, di Milos Forman, il principale rappresentante della Nuova ondata del cinema cecoslovacco.

Mercoledi’ 28 febbraio ore 18.00

L’armata a cavallo, 1969, secondo lungometraggio di M iklós Jancsó, un autore ungherese che possiamo considerare un esponente dell’avanguardia cinematografica internazionale.

Mercoledì 7 marzo ore 18.00  -  Prima parte della selezione di videoarte russa.

Mercoledì 14 marzo ore 18.00 - Seconda parte della selezione di videoarte russa.

GIOVEDI 6 APRILE ORE 18.00 - LA VIDEOARTE IN EUROPA 1970 - 1980

Come già annunciato inviando il programma completo della manifestazione, la rassegna dedicata alla videoarte europea riprende alla Galleria de’ Foscherari giovedì 6 aprile alle ore 18 con le proiezioni elencate in seguito.

La manifestazione, promossa e organizzata dalla Cineteca di Bologna e dalla Galleria, era stata inaugurata al cinema Lumière, in occasione di Artefiera, con un omaggio a una grande artista quale Marina Abramovic, e ora riprende la propria rivisitazione della videoarte europea del ventennio 1970-1990.

Il programma del prossimo giovedì comprende due significative opere dell’artista austriaca (è nata a Linz nel 1940) di fama mondiale VALIE EXPORT, un nome d’arte assai interessante e perché preso da una marca di sigarette (la sua posizione contro la mercificazione dell’arte è molto radicale) e perché così ha inteso sostituire i cognomi “maschili” del marito e del padre. VALIE infatti ha partecipato al movimento femminista fin dalle origini e la sua amplissima e articolata produzione può essere pota sotto il segno della creatività femminile arricchita dalla provocazione sessuale nei confronti dei maschi. E’ stata premiata con l’Ordine al Merito della Repubblica Austriaca.

Un video del poliedrico Jean-Paul Fargier, che costituisce un omaggio appassionato a Nam June Paik, un padre riconosciuto dell’arte elettronica, del quale lo scorso anno è stata proiettata un’opera in Galleria. D’altra parte Fargier suole rendere omaggio ai grandi della videoarte, come ad esempio Bill Viola, al quale ha dedicato, fra l’altro, un bellissimo documentario e un libro, tradotto anche in italiano. “Poliedrico”, si diceva, perché Fargier, nato a Aubenas nel 1944, che vive e lavora a Parigi, è regista cinematografico, produttore, giornalista, critico d’arte e di cinema, infine romanziere. Ovviamente, è anche docente universitario (Paris 8).

Un’opera di Nam Hoover, che, nata a New York nel 1931, ha vissuto in Europa praticamente dal 1962, prendendo poi la cittadinanza olandese. E’ morta a Berlino nel 2008. Prima di diventare una performer e dedicarsi al video, Hoover faceva la pittrice e ciò ha lasciato un segno su tutta la sua opera, dove sempre si intravvede l’approccio pittorico alla immagine. Dotata di finissima sensibilità, ha esplorato originalmente i nuovi media raggiungendo una fama internazionale. Le sue performance e le sue installazioni sono state esposte nei maggiori musei del mondo, nonché accolte nelle maggiori mostre d’arte (nel 1984 alla Biennale di Venezia).

Conclude la serata un intrigante video di Lydia Schouten, anch’essa di nazionalità olandese (è nata a Leyda nel 1948), ma sarebbe più giusto definirla cittadina del mondo, visti i suoi innumerevoli viaggi ovunque e ovunque ha lasciato almeno un segno della sua creatività. Femminista e critica radicale della società contemporanea, ha spinto il suo sguardo audace anche sul tema scabroso della prostituzione. Le sue installazioni, spesso di grandi dimensioni, sono state ospitate nei più prestigiosi musei di ogni paese.

GIOVEDI 6 APRILE ORE 18.00

Raum Sehen und raum horen (Austria/1974) di VALIE EXPORT (9'22'')

Breath text breath: Love Poem B (Austria/1970-73) di VALIE EXPORT (2'23'')

L'arche de Nam June Paik (Francia/1981) di Jean Paul Fargier (22')

Three Pieces (Paesi Bassi/1983) di Nan Hoover (10')

I feel like boiled milk (Paesi Bassi/1980) di Lydia Schouten (12'05'')

Totale: 55'50''

Il programma sarà presentato da Lola Bonora, che ha contribuito sostanzialmente a formularlo, e da Vittorio Boarini

L’ingresso alle proiezioni è libero.